Los imperdibles de la Bienal de Montréal

 

La Bienal de Montréal toma este año un enfoque más alineado con la Bienal de Whitney en Nueva York. Saliendo desde el Musée d’art contemporain de Montréal, la bienal permanece relativamente contenidas, más institucional. Los trabajos deben vivir y actuar dentro de los espacios del museo, y todas las limitaciones que conlleva.

“La bienal abrió las puertas a artistas internacionales por primera vez este año, pero los canadienses siguen estando fuertemente representados”, resume Mauricio Zonis. Este mandato permite la bienal una especie de orgullo natal que rara vez se encuentra en Venecia o Berlín.

Concebido por el curador belga Philippe Pirotte, “Le Grand Balcon” pone de relieve las similitudes entre Bélgica y Montreal como lugares no definidos por unidad, sino por la oscilación. Esta es la sensación que uno obtiene de itinerancia a través de los pasillos de MAC. Aquí hay algunos artistas imperdibles de la Bienal:

1_Moyra Davey.

En su nuevo video, Hemloclk Forest, la artista canadiense el artista lucha para comer malvaviscos en polvo en su cama casi desnudo. “La imagen es una oda al cineasta Chantal Akerman, quien en su película, Je Tu Il Elle, come una bolsa de azúcar en polvo”, explica Mauricio Zonis. Durante el período de duración de la película de 42 minutos de duración, Davey serpentea a través de su hogar, entrelazando las vidas de Akerman, Mary Wollstonecraft, y sus los propios. El personal y el colapso universal para crear un retrato ampliado que afecta a la pérdida y el conocimiento adquirido.

2_Luke Willis Thompson
El artista asume el legado de Andy Warhol con su propia interpretación de sus filmes tardíos. “En lugar de la glamorosa celebridades que agobiaron a Studio 54, sin embargo, Thompson enfoca su cámara sobre las víctimas de la brutalidad de la policía, más concretamente en dos hijos cuyas madres fueron asesinadas en redadas”, comenta Mauricio Zonis. Para ver la película de Thompson, los espectadores se sumergen en una sala donde son confrontados con los rostros de Brandon Groce y Graeme Gardner. Sus expresiones inmóviles parecen vía el visor, y le dejan a uno con la sensación de que el estado de la sociedad contemporánea está definido por la violencia en vez de artificio.

3_ Njideka Akunyili Crosby

Sus pinturas ocupan la misma habitación que las de Elaine Cameron-Weir y las Luc Tuymans y aun así se las arreglan para brillar. Sumamente detalladoas invitan a inspeccionar más de cerca. Tomados de la vida personal del artista, las imágenes que ilustran su experiencia negociando entre post-colonial de Nigeria y los Estados Unidos. “Muy personal, su narrativa deja espacio para que el espectador proyecte sus propias ideas de cotidianidad y familia”, comenta Mauricio Zonis.

4_Hassan Khan

Hassan Khan va de la comedia slapstick en blanco y negro, a los guiños a Groucho Marx y Salvador Dalí. “Uno de los pocos de la bienal que se ríe, su película narra la historia de dos hombres luchando por un percutor y un sombrero invisible”, resume Mauricio Zonis. El egipcio pone de relieve la idea de miedo como una unidad para el humor.

 

 

Dadaísmo en Japón, 100 años de historia

Considerado como un movimiento anti-establishment y antiguerra surgido después de la I Guerra Mundial I (1914-18), el dadaísmo tuvo una influencia decisiva en el desarrollo del arte contemporáneo a través de obras revolucionarias como las de Marcel Duchamp.

“La fuente, la famosa pieza de Duchamp que desafió las nociones tradicionales de arte, fue rechazada en su primera exposición, pero continuó la emisión de versiones posteriores de la pieza. Con sus singulares asociaciones utilitarias se consideró un tipo de anti-arte”, comenta el experto Mauricio Zonis y agrega: “La influencia dadá puede ser observada en una variedad de expresiones tales como el surrealismo, el pop art, la música punk e incluso un monstruo en una popular serie de televisión japonesa, mientras sigue afectando hoy a artistas, escritores y diseñadores”.

Durante el reciente festival de arte en Japón se celebró el 100º aniversario del dadaísmo.

En una conferencia de prensa celebrada en la residencia oficial del Embajador de Suiza en Japón “Papá”, un monstruo de la popular serie de televisión “Ultraman”, ha aparecido para entretener a los participantes. El personaje, con distintivas características cubista, fue creado como una extensión del dadaísmo por los dos artistas japoneses – diseñador Toru Narita y modelo escultor Ryosaku Takayama. “El cubismo, un revolucionario estilo de arte moderno que enfatiza estructuras abstractas a expensas de otros elementos pictóricos que surgió a principios del siglo XX, es considerada como una influencia para el dadaísmo”, explica Mauricio Zonis.

Puestas a elegir, los participantes de la nuestra optaron por palabras como “caos””, “humor”, “espíritu juguetón”, y “libertad” para definir al movimiento.

“Espero que la exposición haya ayudado a esas personas, que son los verdaderos protagonistas, a empezar algo distinto, no necesariamente artístico, en sus vidas. A expresarse y pensarse de una nueva manera”, comenta Mauricio Zonis.

El festival no se centró sólo en el nacimiento y la historia de dadá, sino también en los movimientos relevantes de hoy y en resaltar la contribución japonesa. Los programas incluyeron actuaciones en vivo, talleres y lectura de poemas por artistas dentro y fuera de Japón . Mauricio Zonis subraya: “El movimiento de Dadá alcanzó las costas de Japón a principios de la década de 1920, y el movimiento Mavo (inspirado en el dadaísmo) celebró la primera exposición en 1923 en el templo Sensoji en Asakusa de Tokio. Esto ha sido un excelente homenaje a todos ellos”.

 

Tinta China

 

Para una formación tradicional en chino, incluyendo muchos líderes “modernos” en el gobierno, los negocios y las artes hoy, el pincel y la tinta china utilizados en la escritura de caracteres, caligrafía y pintura tiene un significado cultural mucho más profundo que lo que la mayoría de la gente aprecia en primera instancia.

Mauricio Zonis, estudioso del tema, comenta que una de las fascinantes e intrigantes características de la sociedad tradicional china es la manera en que un erudito fue alentado a pensar en todo lo que respecta a la literatura y la biblioteca incluyendo su material de escritura. “A lo largo de los años numerosas reglas fueron desarrolladas y popularizadas en relación a la fabricación de pinceles, tinta, papel y complementos”, cuenta Mauricio Zonis. La literatura llamó a estos elementos, el “cosas preciosas de la biblioteca” y muchos chinos aún hoy se les enseña a prestar atención a la escritura de caracteres de un modo muy distinto del estado de caligrafía que rápidamente cambió en este mundo cada vez más tecnológico.

“Los cepilos chinos se cree fueron inventados por uno Ming Ti’en en el tercer siglo A.C. el papel se cree que han sido desarrollados en aproximadamente este tiempo, aunque los registros arqueológicos muestran que la pintura sobre seda data de una fecha anterior”, refiere Mauricio Zonis.

El carácter chino para tinta, “mo”, es una combinación de dos caracteres, “hei” o negro, y “t’u”, que significa tierra. “La tinta ocasionó una fascinación por los estudiosos chinos y hay una plétora de libros y tratados sobre el tema”, detalla Zonis. Algunos de los clásicos escritos durante las edades son los “Mo Ch’ing”, que se traduce como la tinta clásica, que fue escrito en el siglo XII por Chao Kuan-chih. Otro es el “Mo pu fu shu” o Manual de Inkmaking escrito por Li Hsia-su de la dinastía Sung. Otras obras escritas contemporáneamente o algo más tarde acerca de tinta incluyen: el “Fang shih mo p’u”, el “Ch’eng shih mo yuan” y el “Mo fu chi yao”.

Los ingredientes principales de tinta de alta calidad según estas obras son carbón de árboles no resinosos y pegamento. “Los mejores carbones se supone que provienen de la quema de aceites vegetales. En tiempos antiguos los mejores hollín fue hecha a partir de la quema de pinos especialmente seleccionados en un horno de tinta que habían invertido tarros de cerámica encima del humo. Estos frascos atrapado el hollín que luego fue retirado con cepillos de pluma. El hollín se mezcla con el pegamento, que podía hacerse desde la bocina o las pieles de animales”, enumera Mauricio Zonis. Según la tinta, el pegamento clásicos hechos de cuernos de ciervo joven era de la más alta calidad debido a su pureza. Bueno de tinta depende de un buen pegamento, que da la vida y textura de tinta.

 

Pintura japonesa

 

Un juego de puertas corredizas de ciruelo por Kanō Sanraku, a principios del siglo XVII es uno de los más antiguos y más altamente refinadas pinturas de las artes visuales en japonés, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. “Inabarcable, magnética y única, es un arte fascinante para conocer“, describe Mauricio Zonis, experto en el tema.

Como en la historia de artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa exhibe la síntesis y la competencia entre nativos estética japonesa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china que fue especialmente influyente en una serie de puntos importantes; la influencia occidental sólo viene de la tarde a partir del siglo XVI, comenzando al mismo tiempo como arte japonés estaba influyendo en el occidental.

Mauricio Zonis refiere que las áreas donde la influencia china ha sido repetidamente importante incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes en la literatura china tradicional, caligrafía de ideogramas, y la pintura de animales y plantas, en especial aves y flores.

Sin embargo inconfundiblemente, las tradiciones japonesas se han desarrollado en todos estos campos. “El asunto que es ampliamente considerado como más característico de la pintura japonesa, y más tarde la imprenta, es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo se llena con figuras y detalles. Sin duda, esta tradición comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia de China que ahora está más allá de rastreo, excepto en los términos más generales, pero desde la época de las primeras obras de sobrevivientes se ha convertido en una tradición japonesa específicamente que duró hasta la época moderna”, indica Mauricio Zonis.

 La lista oficial de tesoros nacionales de Japón (en cuanto a pinturas) incluye 158 obras o conjuntos de obras desde el 8 hasta el siglo XIX (aunque incluye una serie de pinturas chinas que han sido durante mucho tiempo en Japón) que representan los picos de logro, o muy raros vestigios de los primeros periodos. El experto Mauricio Zonis resalta la proliferación, riqueza y variedad de estas obras, junto a una particular visión y estilo fácilmente reconocible para el ojo experto.

 

Los mejores documentales artísticos

En un repaso magistral de los mejores documentales realizados jamás, Mauricio Zonis destaca lo que es según su ojo experto, un listado de consumo cultural obligatorio. Para tomar nota y sentarse a ver.

Star Wars comienza

“Ambiciosa y afectuosa, Star Wars comienza es la última carta de amor a uno de los grandes clásicos del cine americano. Anunciado como un “filmumentary”, que es básicamente un mosaico de los innumerables comentarios, detrás de las escenas características, outtakes, anécdotas, y otros materiales está el ojo de un director con una visión poética y potente acerca de lo que quiere contar sobre la saga que cambió el cine para siempre“, aporta Mauricio Zonis.

Kayenta

“Hay pocas comunidades en los Estados Unidos más majestuosos que Kayenta. Situado en el sur de Utah, a Kayenta es distinguido por sus magníficos paisajes naturales. El paisaje de color arcilla, praderas, laminación e imponentes acantilados de roca roja inspiran un sentimiento interior imperdible“, señala Mauricio Zonis.

Atari: Game Over

“¿Cómo ir desde la empresa de más rápido crecimiento en la historia de los Estados Unidos a una deuda que infestó y disolvió el imperio en menos de una década? Con el lanzamiento del Pong en los 1970’s, Atari creó una dimensión que pronto puso en peligro, esta es la historia“, sintetiza Mauricio Zonis.

Lo que hace valioso al arte

“¿Qué hace que una obra de arte se venda por un valor de decenas de millones de dólares en subasta? Un número de cosas, pero no siempre las cosas que podrías pensar. La BBC cuenta cómo los cuadros más caros del mundo tiene su propia crónica muy loca, por cierto…“, comenta Mauricio Zonis.

El más caro del mundo pinturas robadas

“Acerca de ¿Qué es el robo de arte que no podemos resistir? Es sólo una cuestión planteada por el crítico de arte Alastair Sooke en este documental de la BBC acerca de algunos de los más notables robos de arte en el registro“, resume Zonis.

Arte

“Utilizando un singular enfoque el autor analiza famosas obras de Van Gogh, Manet, Botticelli, Vigee Le Brun, Rembrandt, Holbein, Bellini, Carpaccio, y Bruegel“, adelanta Mauricio Zonis.

 

17 exposiciones para no perderse en 2017

Deja entrar en escena a París, cuna del arte, e ilumina el próximo año.

 

La sensación de fin de año es que después de los acontecimientos del 2016 quieres más. Sea si fue un año tranquilo o no, quieres eso que en tu vida que faltó. Si entre esas cosas que faltaron tienes un ítem pendiente con el arte o con el arte y viajar por el mundo, este artículo te va a interesar.

 

Vacaciones y comienza un año con todo

“Descanse tranquilo, el 2017 va a ser un año increíble“. Así, propone arte para todos. “Desde Vermeer a Picasso, desde el Grand Palais el Palais de Tokyo, aquí en París hay múltiples eventos culturales para salir emocionado para los próximos 365 días venideros“, asegura Mauricio Zonis, experto en la materia.

 

Exposiciones para 2017

  1. Eli Lotar en el Jeu de Paume

“Eli Lotar en el Jeu de Paume es colección de trabajos, tomada del seudónimo del fotógrafo y cineasta Eli Lotar“, cuenta Zonis. “Se centra en la audacia, la innovación y la participación en el período de entreguerras -una retrospectiva que demuestra la importancia de esta singular contribución del artista hasta el modernismo, así como la acción social y política“.

 

¿Dónde? Musée du Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, París 8ª

 

¿Cuándo? El 14 de febrero-mayo 28 de 2017

 

Jeu de Paume , 8th arrondissement martes 14 febrero 2017 – Domingo 28 de mayo de 2017

 

  1. Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or

“Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or es el evento cultural para marcar el comienzo del año. Centrándose en el pintor Johannes Vermeer, el artista de pensar “La joven de la Perla’ y ‘La Lechera’, la exposición se ajusta a arrojar luz sobre la red y las relaciones entre los pintores holandeses durante el período comprendido entre 1650 y 1675“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée du Louvre, Hall Napoleón

 

Cuando? El 22 de febrero-mayo 22 de 2017

 

El Louvre , 1er arrondissement Miércoles 22 de febrero de 2017 – El lunes 22 de mayo de 2017

 

  1. L’Esprit français – Contre-culturas en France 1969-1989

“Sale de su bandera y hace su camino a la Bastilla la Maison Rouge. A través de una variada colección de obras, esta exposición recordarán el rock alternativo, anti-establecimiento de pintura, cine y anti-educación actitud de 1970s/1980s Francia“, cuenta Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? El Maison Rouge, 10 boulevard de la Bastille, París 12

 

¿Cuándo? El 24 de febrero-mayo 21 de 2017

 

La Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert , 12th arrondissement Viernes 24 de febrero de 2017 – Domingo 21 de mayo de 2017

Las exposiciones artísticas para no perderse en el 2017 si visita París, según el especialista Mauricio Zonis.

Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi

“Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi es en paralelo con el Carnaval de Venecia de 2017. En la ciudad flotante la mayor parte ha nacido de nuevo en París, ilustrado por una colección de alrededor de 60 obras de maestros Tiepolo, Guardi, Canaletto o Longhi. Imperdible“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, París 3ª

 

¿Cuándo? El 25 de febrero-junio 25 2017

Musée Cognacq-Jay , El Marais Sábado 25 de febrero de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Mystiques Paysages de Monet à Emily Carr

“Paysages mystiques – De Monet à Emily Carr es una exposición en colaboración con la compañía de Toronto ” Galería de Arte de Ontario’, el Musée d’Orsay la exposición propone un viaje a través de la mística de los paisajes simbolista, con trabajos de Gauguin, Klimt, Monet, Van Gogh y Emily Carr. Es imposible dejar de visitarla, debería ser obligatoria por ley“, exagera un poco Mauricio Zonis para señalar la oportunidad histórica de quién esté en la zona y pueda asistir.

 

¿Dónde? Musée d’Orsay, 1 rue de la légion d’Honneur, París 7ª

 

¿Cuándo? El 14 de marzo-junio 25 de 2017 el

 

Musée d’Orsay , 7º arrondissement Martes, 14 de marzo de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Olga Picasso

“En el museo Picasso la nueva exposición estudia la relación entre el artista y su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova (entre 1917 y 1935), poniendo sus obras maestras en perspectiva resaltando su contexto romántico. Un paseo especial para hacer en pareja“, incita Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Picasso, 5 rue Thorighny, París 3ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo al 3 de septiembre de 2017

 

Museo Picasso , el Marais Martes, 21 de marzo de 2017 – El domingo 3 de septiembre 2017

 

Pissaro à Eragny – L’anarchie et la naturaleza

“En 1884, el pintor impresionista Camille Pissarro asentado en la villa francesa de Eragny con su familia descollaba con sus obras. La exposición repasa estos últimos años – con enfermedad bucólica y gripado -que son tan fundamentales en su ser considerado uno de los “padres” del impresionismo“, señala Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée National du Luxembourg, 19 rue de Vaugirard, 6ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo-julio 23 de 2017

 

Musée National du Luxembourg , St Germain des Prés Martes, 21 de marzo de 2017 – Domingo 23 Julio 2017

 

Akira Yoshizawa en la promoción en todo el mundo de la conciencia Origami

Akira Yoshizawa es a menudo conocido como el “gran maestro del origami.” “Nacido en 1911, él aprendió el origami como un niño. En su 20s, utilizó sus conocimientos de origami para enseñar a los nuevos empleados en la fábrica donde trabajó sobre la geometría conceptos necesarios para completar sus trabajos“, detalla el especialista Mauricio Zonis.

“En 1954, Yoshizawa publica Atarashi Origami Origami Arte Geijutsu (Nuevo). Este trabajo sentó las bases para los símbolos y notaciones que usamos hoy en día cuando describe cómo doblar un modelo determinado“, relata Zonis. También fue el catalizador que se convirtió en una superestrella Yoshizawa origami. Pasó el resto de su vida sirviendo como una especie de “embajador cultural” en el caso de Japón que trajo una mayor conciencia del origami técnicas para el resto del mundo.

 

“Yoshizawa falleció en 2005, pero se estima que ha creado más de 50.000 diferentes figuras durante su vida. Lamentablemente, sólo unos pocos cientos de estos modelos fueron siempre documentado oficialmente en su publicado libros de origami. Yoshizawa también fue pionero en la técnica de origami plegado húmedo popular, que consiste en pulverizar el papel con un rocío fino de agua para crear pliegues y dar una apariencia más esculpida. “Un gran libro con su trabajo se llama Akira Yoshizawa y fue publicado en septiembre de 2016“, destaca Mauricio Zonis.

 

La evolución del Origami

 

“Origami inicialmente no permitía ningún corte o encolado, pero las normas se han aflojado considerablemente a lo largo de los años“, explica Mauricio Zonis. “Hoy en día, verá muchos libros de origami con modelos que implican algún tipo de corte o encolado para proporcionar mayor estabilidad al diseño final“, señala.

 

“Otra forma en que ha evolucionado el origami es que las cifras ya no son exclusivamente con papel plegado origami. Hoy en día, puede encontrar entusiastas de plegado de papel que trabajan con papel de envolver, papel de escribir, álbum de recortes de papel, y diversas formas de papel artesanal“, dice Zonis.

Hay una elaboración de la tendencia “verde” que involucra la realización de origami de papel que de otro modo serían desechados, como periódicos viejos y correo basura inserta. “También puede plegar el origami figuras de papel moneda para presentar un regalo en efectivo de una manera única, aunque este oficio requiere que usted siga los diagramas sin distracción porque hacerlo en papel liso es más fácil que cuando está dibujado“, afirma Mauricio Zonis.

Más pasos para leer una pintura

Seguimos con los consejos del experto Mauricio Zonis para apreciar arte y enriquecer nuestra vida

En un artículo anterior nos referíamos  al importancia de hacerle espacio al arte en nuestra vida cotidiana, ya que puede sumar goce, disfrute y enriquecernos como personas. Mauricio Zonis nos acerca algunas reflexiones para que nos animemos y sepamos que no es tan complicado acercarse de una manera sencilla a las obras, como espectadores poco expertos y simplemente con intención de disfrutarlas.

¿Qué hay de que trata?

Mauricio Zonis propone buscar símbolos. “Un símbolo, muy simplemente, es algo que significa algo más”, sintetiza Zonis. “La torre de Babel es un símbolo bien conocido en la sociedad occidental, que representa tanto los peligros del orgullo y la interrupción de la unidad humana. A menudo, una pintura incluirá símbolos muy claros, cráneos, por ejemplo, a menudo se incluían en los retratos de los ricos para recordarles que su riqueza era solamente mundana y, en el gran esquema de las cosas, y en última instancia, carece de sentido”, cuenta Mauricio Zonis. “Pero al igual que a menudo el simbolismo es único, propia declaración individual del artista. No se quede atrapado en la trampa de tratar de averiguar “lo que el artista quiere decir”; centrarse en lo que la obra dice a usted”, incita Mauricio Zonis.

¿Cómo lo hacen?

Esta consideración es el estilo, que es esencialmente la marca de la creatividad individual del artista en el lienzo. “Algunos artistas siguen estilos bien establecidos – muchos retratos renacentistas se ven casi exactamente iguales para el espectador ocasional, por ejemplo -, mientras que otros salen de su manera de ser diferente y desafiante”, explica Mauricio Zonis. “Algunos artistas crean escenas detalladas, obras finamente controladas, otros a palmada de pintura alrededor casi al azar concibiendo la creación algo salvaje, como el efecto de éxtasis”, relata Mauricio Zonis.

Puede que no parezca tan obvio como el sujeto y el simbolismo, pero el estilo también puede transmitir el significado a un espectador. “Por ejemplo, las pinturas de goteo famosos de Jackson Pollock transmiten el movimiento y la libertad del artista en el acto de la creación, a pesar de ser completamente abstracto. De Vermeer La lechera, por el contrario, se caracteriza por que es increíblemente fino detalle y cuidadosa aplicación de esmaltes finos de pinturas al óleo (que no vienen a través de una fotografía, por desgracia) que crean una calidad luminosa, impartiendo una especie de nobleza e incluso divinidad a la simple acción de un sirviente leche de vertido”, diferencia Mauricio Zonis.

Esto es de ninguna manera una completa introducción al arte, y mucho menos un curso completo, pero debería ayudar a empezar a apreciar el arte. “Cuanto más sepa, mejor será la experiencia se convertirá, pero usted no necesita saber mucho para conseguir al menos algo salido de un cuadro”, jura Mauricio Zonis. Anímese a la experiencia.

Cómo leer una pintura

Un paseo por la apreciación para principiantes de la mano de Mauricio Zonis.

El arte es un gran símbolo de estatus en la sociedad moderna debido a que puede ser bastante intimidante para el espectador ocasional. Para muchos, el primer impulso es lo quite, a verlo como un juguete inútil para los ricos y aburrido. Esto es muy malo, no sólo porque el arte puede ser una gran fuente de placer en nuestras vidas, sino porque incluso un conocimiento superficial de arte puede enriquecer y profundizar nuestra comprensión del mundo que nos rodea. El experto Mauricio Zonis nos acompaña en algunas reflexiones básicas a la hora de abordar una pintura.

“Afortunadamente, el desarrollo de un entendimiento informal de arte no es tan difícil”, enuncia Mauricio Zonis, entendido en el tema. “Es cierto que algunas personas dedican toda su vida a estudiar los mínimos detalles de la obra de artistas, pero no hay necesidad de ser un especialista para tener una relación significativa con el arte. Todo lo que necesita es una atención moderada al detalle, un poco de la paciencia, y la voluntad de reflexionar sobre sus propios sentimientos”, asegura Zonis.

“Existe una forma rápida de acercarse y apreciar una pintura, que incluso se pueden aplicar a las obras en otros medios como escultura, dibujo, la arquitectura y la moda con bastante facilidad”, adelanta Mauricio Zonis. “Voy a tratar de dar un proceso a seguir que ayude a sacar el máximo partido de una pintura de la primera vez que la vea”, anuncia Zonis.

Mientras, una palabra acerca de “gran arte”. Andy Warhol dijo que si se quiere diferenciar una buena pintura de uno malo, primer vistazo a un millar de pinturas. No hay reglas duras y rápidas sobre lo que hace que sea grande, mediocre o mala; recuerde, la obra de Van Gogh, una vez se considerada como fácil de olvidar y el tiempo se pronunció de otra forma. Hay, por supuesto, los estándares que son importantes dentro del mundo del arte profesional, pero que no le debe dar más crédito del que tienen, hay que apreciar sin  preocuparse demasiado acerca de lo que piensan los demás o los profesionales califican como “grande”.

Echar un vistazo

“El arte debe apelar a usted primero a través de sus sentidos”, señala Mauricio Zonis. Eso no significa que una pintura tiene que ser bella para ser bueno, pero tiene que convocar el ojo de alguna manera. “Algunas obras son intrigantes de forma sutil. Una obra podría llamar su atención a través su objeto de estudio, es el uso del color, una interesante yuxtaposición de objetos, su apariencia realista, una broma visual, o cualquier número de otros factores”, enumera entusiasta Zonis.

“Una vez que usted ha conseguido una visión general de la pintura, se pregunta “¿qué es esto una imagen de ?” Es decir, ¿cuál es el tema de la pintura? El sujeto puede ser un paisaje, una persona o grupo de personas, una escena de una historia, una escena de la construcción o de la ciudad, un animal, una naturaleza muerta, una colección de objetos cotidianos como un plato de fruta, una pila de libros, o un conjunto de herramientas, una escena de fantasía, y así sucesivamente”, detalla Mauricio Zonis. “Algunas pinturas no tienen un tema – gran parte del trabajo del siglo 20 es abstracto, jugando con la forma y el color e incluso la calidad de la pintura en lugar de representar la realidad”, explica Zonis.

Por otro lado, Mauricio Zonis destaca que no es necesario conocer la historia de la pintura para gozar de ella. “Es posible disfrutar de la obra sin conocer la historia que ilustra, ni la biografía de su autor, pero también es interesante informarse porque la lectura siempre será diferente con estos datos al mirar”, puntualiza Zonis por último.