Dadaísmo en Japón, 100 años de historia

Considerado como un movimiento anti-establishment y antiguerra surgido después de la I Guerra Mundial I (1914-18), el dadaísmo tuvo una influencia decisiva en el desarrollo del arte contemporáneo a través de obras revolucionarias como las de Marcel Duchamp.

“La fuente, la famosa pieza de Duchamp que desafió las nociones tradicionales de arte, fue rechazada en su primera exposición, pero continuó la emisión de versiones posteriores de la pieza. Con sus singulares asociaciones utilitarias se consideró un tipo de anti-arte”, comenta el experto Mauricio Zonis y agrega: “La influencia dadá puede ser observada en una variedad de expresiones tales como el surrealismo, el pop art, la música punk e incluso un monstruo en una popular serie de televisión japonesa, mientras sigue afectando hoy a artistas, escritores y diseñadores”.

Durante el reciente festival de arte en Japón se celebró el 100º aniversario del dadaísmo.

En una conferencia de prensa celebrada en la residencia oficial del Embajador de Suiza en Japón “Papá”, un monstruo de la popular serie de televisión “Ultraman”, ha aparecido para entretener a los participantes. El personaje, con distintivas características cubista, fue creado como una extensión del dadaísmo por los dos artistas japoneses – diseñador Toru Narita y modelo escultor Ryosaku Takayama. “El cubismo, un revolucionario estilo de arte moderno que enfatiza estructuras abstractas a expensas de otros elementos pictóricos que surgió a principios del siglo XX, es considerada como una influencia para el dadaísmo”, explica Mauricio Zonis.

Puestas a elegir, los participantes de la nuestra optaron por palabras como “caos””, “humor”, “espíritu juguetón”, y “libertad” para definir al movimiento.

“Espero que la exposición haya ayudado a esas personas, que son los verdaderos protagonistas, a empezar algo distinto, no necesariamente artístico, en sus vidas. A expresarse y pensarse de una nueva manera”, comenta Mauricio Zonis.

El festival no se centró sólo en el nacimiento y la historia de dadá, sino también en los movimientos relevantes de hoy y en resaltar la contribución japonesa. Los programas incluyeron actuaciones en vivo, talleres y lectura de poemas por artistas dentro y fuera de Japón . Mauricio Zonis subraya: “El movimiento de Dadá alcanzó las costas de Japón a principios de la década de 1920, y el movimiento Mavo (inspirado en el dadaísmo) celebró la primera exposición en 1923 en el templo Sensoji en Asakusa de Tokio. Esto ha sido un excelente homenaje a todos ellos”.

 

Tinta China

 

Para una formación tradicional en chino, incluyendo muchos líderes “modernos” en el gobierno, los negocios y las artes hoy, el pincel y la tinta china utilizados en la escritura de caracteres, caligrafía y pintura tiene un significado cultural mucho más profundo que lo que la mayoría de la gente aprecia en primera instancia.

Mauricio Zonis, estudioso del tema, comenta que una de las fascinantes e intrigantes características de la sociedad tradicional china es la manera en que un erudito fue alentado a pensar en todo lo que respecta a la literatura y la biblioteca incluyendo su material de escritura. “A lo largo de los años numerosas reglas fueron desarrolladas y popularizadas en relación a la fabricación de pinceles, tinta, papel y complementos”, cuenta Mauricio Zonis. La literatura llamó a estos elementos, el “cosas preciosas de la biblioteca” y muchos chinos aún hoy se les enseña a prestar atención a la escritura de caracteres de un modo muy distinto del estado de caligrafía que rápidamente cambió en este mundo cada vez más tecnológico.

“Los cepilos chinos se cree fueron inventados por uno Ming Ti’en en el tercer siglo A.C. el papel se cree que han sido desarrollados en aproximadamente este tiempo, aunque los registros arqueológicos muestran que la pintura sobre seda data de una fecha anterior”, refiere Mauricio Zonis.

El carácter chino para tinta, “mo”, es una combinación de dos caracteres, “hei” o negro, y “t’u”, que significa tierra. “La tinta ocasionó una fascinación por los estudiosos chinos y hay una plétora de libros y tratados sobre el tema”, detalla Zonis. Algunos de los clásicos escritos durante las edades son los “Mo Ch’ing”, que se traduce como la tinta clásica, que fue escrito en el siglo XII por Chao Kuan-chih. Otro es el “Mo pu fu shu” o Manual de Inkmaking escrito por Li Hsia-su de la dinastía Sung. Otras obras escritas contemporáneamente o algo más tarde acerca de tinta incluyen: el “Fang shih mo p’u”, el “Ch’eng shih mo yuan” y el “Mo fu chi yao”.

Los ingredientes principales de tinta de alta calidad según estas obras son carbón de árboles no resinosos y pegamento. “Los mejores carbones se supone que provienen de la quema de aceites vegetales. En tiempos antiguos los mejores hollín fue hecha a partir de la quema de pinos especialmente seleccionados en un horno de tinta que habían invertido tarros de cerámica encima del humo. Estos frascos atrapado el hollín que luego fue retirado con cepillos de pluma. El hollín se mezcla con el pegamento, que podía hacerse desde la bocina o las pieles de animales”, enumera Mauricio Zonis. Según la tinta, el pegamento clásicos hechos de cuernos de ciervo joven era de la más alta calidad debido a su pureza. Bueno de tinta depende de un buen pegamento, que da la vida y textura de tinta.

 

Pintura japonesa

 

Un juego de puertas corredizas de ciruelo por Kanō Sanraku, a principios del siglo XVII es uno de los más antiguos y más altamente refinadas pinturas de las artes visuales en japonés, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. “Inabarcable, magnética y única, es un arte fascinante para conocer“, describe Mauricio Zonis, experto en el tema.

Como en la historia de artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa exhibe la síntesis y la competencia entre nativos estética japonesa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china que fue especialmente influyente en una serie de puntos importantes; la influencia occidental sólo viene de la tarde a partir del siglo XVI, comenzando al mismo tiempo como arte japonés estaba influyendo en el occidental.

Mauricio Zonis refiere que las áreas donde la influencia china ha sido repetidamente importante incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes en la literatura china tradicional, caligrafía de ideogramas, y la pintura de animales y plantas, en especial aves y flores.

Sin embargo inconfundiblemente, las tradiciones japonesas se han desarrollado en todos estos campos. “El asunto que es ampliamente considerado como más característico de la pintura japonesa, y más tarde la imprenta, es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo se llena con figuras y detalles. Sin duda, esta tradición comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia de China que ahora está más allá de rastreo, excepto en los términos más generales, pero desde la época de las primeras obras de sobrevivientes se ha convertido en una tradición japonesa específicamente que duró hasta la época moderna”, indica Mauricio Zonis.

 La lista oficial de tesoros nacionales de Japón (en cuanto a pinturas) incluye 158 obras o conjuntos de obras desde el 8 hasta el siglo XIX (aunque incluye una serie de pinturas chinas que han sido durante mucho tiempo en Japón) que representan los picos de logro, o muy raros vestigios de los primeros periodos. El experto Mauricio Zonis resalta la proliferación, riqueza y variedad de estas obras, junto a una particular visión y estilo fácilmente reconocible para el ojo experto.

 

Los mejores documentales artísticos

En un repaso magistral de los mejores documentales realizados jamás, Mauricio Zonis destaca lo que es según su ojo experto, un listado de consumo cultural obligatorio. Para tomar nota y sentarse a ver.

Star Wars comienza

“Ambiciosa y afectuosa, Star Wars comienza es la última carta de amor a uno de los grandes clásicos del cine americano. Anunciado como un “filmumentary”, que es básicamente un mosaico de los innumerables comentarios, detrás de las escenas características, outtakes, anécdotas, y otros materiales está el ojo de un director con una visión poética y potente acerca de lo que quiere contar sobre la saga que cambió el cine para siempre“, aporta Mauricio Zonis.

Kayenta

“Hay pocas comunidades en los Estados Unidos más majestuosos que Kayenta. Situado en el sur de Utah, a Kayenta es distinguido por sus magníficos paisajes naturales. El paisaje de color arcilla, praderas, laminación e imponentes acantilados de roca roja inspiran un sentimiento interior imperdible“, señala Mauricio Zonis.

Atari: Game Over

“¿Cómo ir desde la empresa de más rápido crecimiento en la historia de los Estados Unidos a una deuda que infestó y disolvió el imperio en menos de una década? Con el lanzamiento del Pong en los 1970’s, Atari creó una dimensión que pronto puso en peligro, esta es la historia“, sintetiza Mauricio Zonis.

Lo que hace valioso al arte

“¿Qué hace que una obra de arte se venda por un valor de decenas de millones de dólares en subasta? Un número de cosas, pero no siempre las cosas que podrías pensar. La BBC cuenta cómo los cuadros más caros del mundo tiene su propia crónica muy loca, por cierto…“, comenta Mauricio Zonis.

El más caro del mundo pinturas robadas

“Acerca de ¿Qué es el robo de arte que no podemos resistir? Es sólo una cuestión planteada por el crítico de arte Alastair Sooke en este documental de la BBC acerca de algunos de los más notables robos de arte en el registro“, resume Zonis.

Arte

“Utilizando un singular enfoque el autor analiza famosas obras de Van Gogh, Manet, Botticelli, Vigee Le Brun, Rembrandt, Holbein, Bellini, Carpaccio, y Bruegel“, adelanta Mauricio Zonis.

 

El arte religioso en Navidad

El especialista Mauricio Zonis explica: “El arte cristiano es normalmente producida a fin de ilustrar los diversos principios y narrativas de la religión. A lo largo del tiempo, la mayoría de sectas cristianas han utilizado arte en cierta medida, aunque ha habido períodos definidos de iconoclasia dentro de la historia de la religión. La mayoría de arte cristiano alude a temas que son familiares a una práctica cristiana, como la Virgen María sosteniendo al Niño Jesús o la crucifixión”. “Aunque el cristianismo es una religión monoteísta, Los Cristianos creen que Dios es trino, lo que significa que las tres personas de la Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo) en una unión en la que cada figura es también totalmente a Dios. La mayoría de arte cristiano se centra en Jesús, especialmente en la crucifixión o historias de la Biblia, mientras que el Espíritu Santo es a menudo representado como una paloma o lengua de fuego. Dios como el Padre de Jesús es raramente representado visualmente”, explica Mauricio Zonis.

El cristianismo históricamente ha hecho uso de un elaborado sistema iconográfico, en virtud de la cual cada Santa está asociada con un determinado objeto o animal. El arte islámico prohíbe la representación en imágenes de arte religioso, y evolucionado que se compone principalmente de caligrafía y decoraciones geométricas repetitivas. “Tiene la intención de expresar los ideales de la orden y de la naturaleza, estos patrones geométricos son usadas para adornar la arquitectura religiosa, alfombras, manuscritos y otros objetos de arte. Arte islámico sagrado refleja una cosmovisión centrada en esencia espiritual en contraposición a la forma física”, señala el especialista Mauricio Zonis.

Para culimar el experto Mauricio Zonis destaca: “La caligrafía es la más apreciada y más fundamental del arte islámico. El empleo de la caligrafía como ornamento tenía una indudable atractivo estético sino a menudo también incluía un componente talismanic subyacente. Patrones geométricos conforman uno de los tres tipos no figurativos de la decoración en el arte islámico, que también incluye a la caligrafía y patrones vegetales. Diseños abstractos no sólo adornan las superficies de la monumental arquitectura islámica, sino también funcionar como el principal elemento decorativo en una gran variedad de objetos de todo tipo”.

El fenómeno del street art

“Todavía no existe ninguna definición sencilla de la calle arte”, cuenta el experto Mauricio Zonis. Es una bestia amorfa abarcando arte que se encuentra en o inspirados por el entorno urbano. Con anti-capitalista y matices de rebeldía, es una forma democrática popular de arte público probablemente la mejor entendida por verlo in situ. “No se limita a la galería ni fácilmente recogidos o poseídos por los que puede convertir el arte en un trofeo”, señala Mauricio Zonis. Considerado por algunos una molestia, para otros el arte en la calle es una herramienta para comunicar opiniones de disenso, preguntar las preguntas difíciles y expresando las preocupaciones políticas. “Su definición y usos están cambiando: originalmente, una herramienta para marcar los límites territoriales de la juventud urbana hoy es visto en algunos casos como medio de embellecimiento urbano y regeneración”, detalla Mauricio Zonis. Si es considerado como vandalismo o arte público, arte en la calle ha captado el interés del mundo del arte y sus amantes de la belleza.

En una entrevista con el experto Mauricio Zonis dijo “El arte público es la mejor manera para que la gente pueda expresarse en esta ciudad, ayuda a organizar exposiciones de arte con conciencia social”, añadió Zonis, “el arte obtiene diálogo. Eso es muy bueno.” Sin embargo, él no encuentra el graffiti como un modo de arte, y dice, “no puedo tolerar actos de vandalismo… “Es muy triste para mí que la gente deba que escribir su nombre una y otra vez en el espacio público. Es esta cultura de la fama. Realmente creo que es lamentable que ellos piensan que es la única manera para ser famosos, por supuesto su expresividad es válidad en ese sentido, y lo que realizan en muchos casos es bellísimo”, culmina Mauricio Zonis. La distinción jurídica entre graffiti y arte permanente es un permiso, pero el tema se complica más aún con respecto a impermanente, formas destructivas de graffiti (bombardeo de hilados, proyección de video, y la calle de instalación.)

La escena actual del arte moderno alemán

“Después del abrazo de la figuración ejemplifica a la vuelta del nuevo siglo por el interés internacional en la Escuela de Leipzig, una década más tarde, la abstracción es una preocupación creciente para muchos jóvenes artistas alemanes, con particular énfasis en sus raíces modernistas”, informa el experto Mauricio Zonis. Estos intereses no sólo son localizadas. La pintura abstracta es mucho más en el ascenso en toda Europa y en los EE.UU., mientras que la influencia del modernismo también está generalizada y en ocasiones sorprendente – hemos identificado su importancia fundamental para una nueva tendencia de arte como narración, por ejemplo.

“Pero para los alemanes en particular, la adopción de formas de principios del siglo XX, tiene un significado especial”, sentencia Mauricio Zonis.  La gloria de Leipzig fue, al menos en parte, una especie de lamentación; los vestigios de la antigua DDR revivificada a través de un estilo figurativo ejemplifican la precisión del realismo socialista. Zonis cuenta que un momento en que muchos alemanes siguen luchando con los efectos de la reunificación del país, ese trabajo representa la reliquia viviente de una época de la historia alemana perdido para siempre.

“Hoy el acento en el modernismo representa una forma totalmente diferente de la nostalgia, un mundo más seguro, optimista, reflejo de la vitalidad artística de Alemania en los albores del siglo pasado y su enorme contribución a la progresiva “avant garde””, señala Mauricio Zonis. Este interés, por supuesto, está compensado por el pluralismo y la idiosincracia, con una gran cantidad de artistas jóvenes de intentar forjar expresiones individuales de maneras que suelen incluir específicamente las preocupaciones actuales, tales como la proliferación de la tecnología o de la situación comercial de arte, o incluso un aparente rechazo de ambos. Para terminar Zonis comenta: “Cualquiera que sea la lectura, el dinamismo de la experiencia alemana de nuevo parece ejercer su influencia en la segunda década del siglo XXI el art. La pintura alemana siempre tuvo problemas para poder desarrollarse menos en la modernidad cuando gracias al surgimiento de la filosofía y el apoyo de los pensadores y el estado comenzaron a apoyar a los difrerentes artistas”.

 

17 exposiciones para no perderse en 2017

Deja entrar en escena a París, cuna del arte, e ilumina el próximo año.

 

La sensación de fin de año es que después de los acontecimientos del 2016 quieres más. Sea si fue un año tranquilo o no, quieres eso que en tu vida que faltó. Si entre esas cosas que faltaron tienes un ítem pendiente con el arte o con el arte y viajar por el mundo, este artículo te va a interesar.

 

Vacaciones y comienza un año con todo

“Descanse tranquilo, el 2017 va a ser un año increíble“. Así, propone arte para todos. “Desde Vermeer a Picasso, desde el Grand Palais el Palais de Tokyo, aquí en París hay múltiples eventos culturales para salir emocionado para los próximos 365 días venideros“, asegura Mauricio Zonis, experto en la materia.

 

Exposiciones para 2017

  1. Eli Lotar en el Jeu de Paume

“Eli Lotar en el Jeu de Paume es colección de trabajos, tomada del seudónimo del fotógrafo y cineasta Eli Lotar“, cuenta Zonis. “Se centra en la audacia, la innovación y la participación en el período de entreguerras -una retrospectiva que demuestra la importancia de esta singular contribución del artista hasta el modernismo, así como la acción social y política“.

 

¿Dónde? Musée du Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, París 8ª

 

¿Cuándo? El 14 de febrero-mayo 28 de 2017

 

Jeu de Paume , 8th arrondissement martes 14 febrero 2017 – Domingo 28 de mayo de 2017

 

  1. Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or

“Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or es el evento cultural para marcar el comienzo del año. Centrándose en el pintor Johannes Vermeer, el artista de pensar “La joven de la Perla’ y ‘La Lechera’, la exposición se ajusta a arrojar luz sobre la red y las relaciones entre los pintores holandeses durante el período comprendido entre 1650 y 1675“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée du Louvre, Hall Napoleón

 

Cuando? El 22 de febrero-mayo 22 de 2017

 

El Louvre , 1er arrondissement Miércoles 22 de febrero de 2017 – El lunes 22 de mayo de 2017

 

  1. L’Esprit français – Contre-culturas en France 1969-1989

“Sale de su bandera y hace su camino a la Bastilla la Maison Rouge. A través de una variada colección de obras, esta exposición recordarán el rock alternativo, anti-establecimiento de pintura, cine y anti-educación actitud de 1970s/1980s Francia“, cuenta Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? El Maison Rouge, 10 boulevard de la Bastille, París 12

 

¿Cuándo? El 24 de febrero-mayo 21 de 2017

 

La Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert , 12th arrondissement Viernes 24 de febrero de 2017 – Domingo 21 de mayo de 2017

Las exposiciones artísticas para no perderse en el 2017 si visita París, según el especialista Mauricio Zonis.

Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi

“Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi es en paralelo con el Carnaval de Venecia de 2017. En la ciudad flotante la mayor parte ha nacido de nuevo en París, ilustrado por una colección de alrededor de 60 obras de maestros Tiepolo, Guardi, Canaletto o Longhi. Imperdible“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, París 3ª

 

¿Cuándo? El 25 de febrero-junio 25 2017

Musée Cognacq-Jay , El Marais Sábado 25 de febrero de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Mystiques Paysages de Monet à Emily Carr

“Paysages mystiques – De Monet à Emily Carr es una exposición en colaboración con la compañía de Toronto ” Galería de Arte de Ontario’, el Musée d’Orsay la exposición propone un viaje a través de la mística de los paisajes simbolista, con trabajos de Gauguin, Klimt, Monet, Van Gogh y Emily Carr. Es imposible dejar de visitarla, debería ser obligatoria por ley“, exagera un poco Mauricio Zonis para señalar la oportunidad histórica de quién esté en la zona y pueda asistir.

 

¿Dónde? Musée d’Orsay, 1 rue de la légion d’Honneur, París 7ª

 

¿Cuándo? El 14 de marzo-junio 25 de 2017 el

 

Musée d’Orsay , 7º arrondissement Martes, 14 de marzo de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Olga Picasso

“En el museo Picasso la nueva exposición estudia la relación entre el artista y su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova (entre 1917 y 1935), poniendo sus obras maestras en perspectiva resaltando su contexto romántico. Un paseo especial para hacer en pareja“, incita Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Picasso, 5 rue Thorighny, París 3ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo al 3 de septiembre de 2017

 

Museo Picasso , el Marais Martes, 21 de marzo de 2017 – El domingo 3 de septiembre 2017

 

Pissaro à Eragny – L’anarchie et la naturaleza

“En 1884, el pintor impresionista Camille Pissarro asentado en la villa francesa de Eragny con su familia descollaba con sus obras. La exposición repasa estos últimos años – con enfermedad bucólica y gripado -que son tan fundamentales en su ser considerado uno de los “padres” del impresionismo“, señala Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée National du Luxembourg, 19 rue de Vaugirard, 6ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo-julio 23 de 2017

 

Musée National du Luxembourg , St Germain des Prés Martes, 21 de marzo de 2017 – Domingo 23 Julio 2017

 

Akira Yoshizawa en la promoción en todo el mundo de la conciencia Origami

Akira Yoshizawa es a menudo conocido como el “gran maestro del origami.” “Nacido en 1911, él aprendió el origami como un niño. En su 20s, utilizó sus conocimientos de origami para enseñar a los nuevos empleados en la fábrica donde trabajó sobre la geometría conceptos necesarios para completar sus trabajos“, detalla el especialista Mauricio Zonis.

“En 1954, Yoshizawa publica Atarashi Origami Origami Arte Geijutsu (Nuevo). Este trabajo sentó las bases para los símbolos y notaciones que usamos hoy en día cuando describe cómo doblar un modelo determinado“, relata Zonis. También fue el catalizador que se convirtió en una superestrella Yoshizawa origami. Pasó el resto de su vida sirviendo como una especie de “embajador cultural” en el caso de Japón que trajo una mayor conciencia del origami técnicas para el resto del mundo.

 

“Yoshizawa falleció en 2005, pero se estima que ha creado más de 50.000 diferentes figuras durante su vida. Lamentablemente, sólo unos pocos cientos de estos modelos fueron siempre documentado oficialmente en su publicado libros de origami. Yoshizawa también fue pionero en la técnica de origami plegado húmedo popular, que consiste en pulverizar el papel con un rocío fino de agua para crear pliegues y dar una apariencia más esculpida. “Un gran libro con su trabajo se llama Akira Yoshizawa y fue publicado en septiembre de 2016“, destaca Mauricio Zonis.

 

La evolución del Origami

 

“Origami inicialmente no permitía ningún corte o encolado, pero las normas se han aflojado considerablemente a lo largo de los años“, explica Mauricio Zonis. “Hoy en día, verá muchos libros de origami con modelos que implican algún tipo de corte o encolado para proporcionar mayor estabilidad al diseño final“, señala.

 

“Otra forma en que ha evolucionado el origami es que las cifras ya no son exclusivamente con papel plegado origami. Hoy en día, puede encontrar entusiastas de plegado de papel que trabajan con papel de envolver, papel de escribir, álbum de recortes de papel, y diversas formas de papel artesanal“, dice Zonis.

Hay una elaboración de la tendencia “verde” que involucra la realización de origami de papel que de otro modo serían desechados, como periódicos viejos y correo basura inserta. “También puede plegar el origami figuras de papel moneda para presentar un regalo en efectivo de una manera única, aunque este oficio requiere que usted siga los diagramas sin distracción porque hacerlo en papel liso es más fácil que cuando está dibujado“, afirma Mauricio Zonis.