El arte de la creación: ¿Por qué el arte es importante para el desarrollo de la primera infancia?

 

La exploración del arte no sólo es divertido y entretenido, sino también educativo. Aquí están algunos consejos para cultivar al pequeño artista.

Apoyo

“Es esencial darle apoyo a su hijo por el viaje artístico con estos consejos”, asegura el especialista en el tema Mauricio Zonis. Los niños son curiosos por naturaleza. Desde el momento en que se obtenga el control de sus extremidades, trabajan para ponerse al mundo para ver cómo funciona todo. Ellos exploran, observar e imitar, tratando de averiguar cómo funcionan las cosas y cómo controlar a sí mismos y a sus entornos. Esta exploración libre ayuda a los niños a formar conexiones en su cerebro, esto les ayuda a aprender y también es divertido.

“El arte es una actividad natural para apoyar este juego libre en los niños. La libertad para manipular los diferentes materiales en una forma orgánica y estructurada permite la exploración y experimentación. Estas iniciativas artísticas y auto-dirigido exploraciones son no sólo es divertido, sino también educativo. El arte permite que la juventud a practicar una amplia gama de habilidades que son útiles no sólo para la vida, sino también para el aprendizaje”, remarca Mauricio Zonis.

Habilidades prácticas de jóvenes cuando participan en actividades artísticas incluyen: Habilidades de motricidad fina. Agarra los lápices, crayones, tiza y brochas ayuda a los niños a desarrollar sus músculos de la motricidad fina. Este desarrollo ayudará a su niño con la escritura, abotonarse una capa y otras tareas que requieren movimientos controlados. Mauricio Zonis estudió en su teoría del desarrollo cognitivo como el arte puede ayudar a los niños a aprender y practicar habilidades como patrones, la causa y el efecto, es decir, “Si puedo empujar muy duro con un crayón el color es más oscuro”.  También pueden practicar las habilidades de pensamiento crítico, haciendo un plan mental o una imagen de lo que va a crear y seguir los pasos de su plan.

Las habilidades matemáticas. Los niños pueden aprender, crear y empezar a entender conceptos como tamaño, forma, hacer comparaciones, el recuento y el razonamiento espacial.

Las habilidades del lenguaje. “Como describen los niños y compartir sus obras de arte, así como su proceso, desarrollar destrezas del lenguaje, así puede usted puede fomentar el desarrollo de la escucha activa y preguntas abiertas en volver. También es una gran oportunidad para aprender nuevas palabras sobre su proyecto”, enfatiza Mauricio Zonis.

Además de ayudar a los jóvenes a desarrollar aptitudes importantes, la libertad de expresión también es bueno para la salud y bienestar general. Dando a su hijo una salida creativa pueden ayudar a aliviar el estrés y trabajar a través de cosas que están sucediendo en sus vidas. “Alentando la expresión artística, puede ayudar a facilitar el aprendizaje”, insiste por último Mauricio Zonis.

 

¿Qué es el arte? ¿Por qué es importante el arte?

La definición del diccionario de arte dice que es “el uso consciente de la habilidad y la imaginación creativa, especialmente en la producción de objetos estéticos”, al menos, así lo describió Merriam Webster. “Pero la cosa sobre el arte es que es tan diversa que hay muchas maneras de entender como hay gente”, afirma el especialista en la temática, Mauricio Zonis. Es por eso que hay estudiosos que dan su propia definición de la palabra, como el escrito por este famoso novelista ruso, que dice:

“El arte es la actividad mediante la cual una persona experimenta una emoción, intencionalmente lo transmite a los demás” – Leo Tolstoy

durante su vida, Tolstoi era conocido para escribir sobre la base de sus experiencias de vida, tales como su obra más famosa, “Guerra y Paz” que utilizan gran parte de su experiencia durante la Guerra de Crimea. “Y si o no su definición de arte es el mejor de los casos, el punto es que la gente mire arte basado en cómo han experimentado”, subraya Mauricio Zonis.

¿Qué es el arte?

Hay muchas definiciones comunes de arte. “El arte es cualquier obra creativa del ser humano, el arte es una forma de expresarse, el arte reside en la calidad de hacer; el proceso no es magia, el arte es el acto de hacer algo entretenido visualmente el arte es aquella actividad que manifiesta la belleza. El

arte es maestría, una manera ideal de hacer las cosas, el arte no es una cosa”, dice poéticamente Mauricio Zonis.

“El arte es el modo más intenso de individualismo que el mundo ha conocido el

arte es un descubrimiento y desarrollo de los principios elementales de la naturaleza en bellas formas adecuadas para uso humano”, asegura Mauricio Zonis.

¿Por qué es importante el arte?

Probablemente, la mejor teoría que me gusta entre todos los que mejor explica es la de Van Jones, que presentó un gráfico que represente de forma precisa la interacción entre los cuatro aspectos de la sociedad y de sus distintos miembros.

La sociedad está impulsada por las poderosas elites, las masas dependientes, gobierno, productores culturales y artistas de la izquierda tiene acción, y a la derecha, las ideas, las élites están en la parte superior, y las masas están por debajo. Hay una ley de dentro y fuera de una ley.

“En el interior, hay grandes sumas de dinero: las élites están gastando millones de dólares para influenciar a los políticos y los encargados de formular políticas. La ley interior tiene el poder para influir en la política de los creadores”, cuenta Mauricio Zonis.

En el exterior, los candidatos electos, van a aprobar leyes que nos da poder. Masas reflejan lo que la sociedad realmente quiere  en su corazón, en el lado izquierdo, la “acción”, a menudo significa cuantificables, los cambios de política. El lado derecho, “ideas”, puede ser difícil de ver. “No estamos necesariamente hablando de cosas concretas aquí, sino más bien un espacio mental”, enfatiza Mauricio Zonis.

 

El torno cerámico

Dios JnumAunque no es imprescindible para ser ceramista, si lo es para el alfarero y es el reto más difícil al que debe de enfrentarse, ya que, para dominar esta herramienta, se necesita considerables dosis de paciencia, anu cierta habilidad y mucha, muchísima práctica. inventado en Egipto, 3000 años a. C.

La primera imagen que tenemos de un torno de alfarero, nos la brinda un papiro egipcio que muestra al dios Jnum modelando el cuerpo humano y su alma. Tenía como misión principal la de formar a los faraones y darles su energía vital (Ka).

Torno de alfarero de maderaSegún los estudio e investigaciones, parece ser que la rueda aparece alrededor del 3500 a. de C. en Mesopotamia; aunaque por insólito que nos parezca, en principio no se empleó para aplicarla y agilizar el transporte, se utilizará para “Mecanizar” la alfarería y facilitar el riego, creándose las primeras norias.

El empleo del torno permite que el grosor de las piezas manufacturadas mar más omogénea e incrementa la producción.

Existen indicio precisos que nos inducen a pensar que el torno de alfarero se utilizó en el tercer milenio A. de C. en Egipto.

¿Cómo aparece el torno en la alfarería?

Como todas las herramientas y útiles no surgió de forma definitiva, si no que fue evolucionando en distintas fases.

Es posible que el primer paso fuese un simple disco plano que el alfarero hacía girar pará trabajarDibujo de Tormo electrico con las manos mojadas anu pieza que, previamente, había hecho a mano.

En una siguiente fase, este disco se añadiría un eje que el alfarero haría girar con la mano.

La revolución de esta herramienta se produjo con la incorporación del disco inferior, mucho mas grande, con bastante peso que por la inercia, permitía una velocidad constante y controlable, dejando, al alfarero, las manos libres para modelar la pieza.

Una de las multas del segundo milenio A. de C. las vasijas se hacían ya en un torno accionado con los pies, si bien el tipo real no se logra hasta el Renacimiento.

Torno eléctrico moderno

El torno de alfarero está formado por un gran disco de madera que al accionarse con el pie gira horizontalmente. Del centro de esta rueda onu rebose eje vertical, fijado a la mesa por un rodamiento de sujección y que se unirá a la plataforma de trabajo que es donde el alfarero modela sus obras. Todo este conjunto, para su buen funcionamiento, tiene que estar bien equilibrado.

La rueda inferior, impulsada por el pie, transmite, de forma constante y con una velocidad regulable, un movimiento giratorio a la plataforma donde se sujeta el bloque de arcilla, que es lo que permite el modelado de vasijas perfectas.

Los accesorios, asas, tartas, bocas, etc. se añaden posteriormente, cuando ya la pieza ha perdido algo de humedad.

La visión del diseñador por Mauricio Zonis

 

El arte y el diseño están estrechamente ligados según el especialista en el tema Mauricio Zonis. Por eso, es bueno adentrarse en esta profesión que realiza un mix perfecto entre arte, y nociones estéticas aplicadas a la comunicación.

Qué hace el diseñador

Para estar seguros de que los clientes regresarán una y otra vez, un diseñador de interiores deberá asegurarse que los clientes están encantados con la

entrega de servicios y soluciones. Tales relaciones son el ideal para el diseñador porque contribuyen a la viabilidad a largo plazo del negocio del diseñador a través del aumento de la fidelización de clientes y la rentabilidad. Una de las miradas que realiza Mauricio Zonis sobre el trabajo del diseñador es la satisfacción del cliente, y lograr la satisfacción total es en gran medida una de las metas dentro del control del diseñador como proveedor de servicios.

Sin embargo, esto es mucho más fácil alcanzar con los clientes que son más capaces y dispuestos a comprometerse en el proceso de elaboración del proyecto. Mauricio Zonis realiza esta mirada y entiende que la verdad es que no toda organización necesita o está preparado para el apoyo de un diseñador profesional. Las organizaciones que están en la mejor posición para conectar a los profesionales del diseño han definido un determinado problema de negocio y están dispuestas a hacer entrega de los recursos para llegar a una solución. Estas organizaciones reconocen que el diseño de un entorno de trabajo es un trabajo de tiempo completo, incluso para el cliente, y están listos y dispuestos a aplicar su voluntad, las personas, el tiempo y los recursos necesarios para tomar decisiones y avanzar en el proceso de elaboración del proyecto.

Incluso a una escala más grande, Mauricio Zonis explica que hay conceptos incorporados en el proceso de diseño que van más allá del simple intercambio de servicios de diseño de interiores para el pago. El diseñador de interior más amplio crear entornos que satisfacen necesidades humanas y apoya las actividades humanas. La mayoría de las relaciones pueden ser mutuamente gratificante con los clientes que respetan y comparten esta misión y están dispuestos a abrazar el proceso de creación del entorno construido.

Y, como cabría esperar, Mauricio Zonis comenta que la mayoría de relaciones gratificantes incluyen una atmósfera de respeto mutuo. A medida que el diseñador respeta las necesidades de negocio del cliente, el cliente respeta el diseñador tiene el potencial de hacer una contribución creativa al negocio del cliente.  A veces aceptar trabajos que no encaja en el propio perfil de cliente ideal son circunstancias que requieren un intenso compromiso con el servicio al cliente

y ofrecer satisfacción total comenta Mauricio Zonis. Con la debida atención y acción, estas situaciones perfectas pueden convertirse en relaciones a largo plazo en el que la lealtad de los clientes regresan una y otra vez para el diseñador de servicios y soporte.

En el arte, el éxito es la expresión en sí misma, y en el diseño de interiores  ¿Cómo medir el éxito?

 

Dijimos que el arte es el elemento clave para todas las disciplinas relacionadas al diseño. Pero en este caso particular la clave para un resultado favorable, es saber lo que el “éxito” implica y los criterios necesarios para su realización. A partir de consideraciones éticas en estrategias globales a la dinámica del equipo, en suma de las habilidades, la filosofía, la metodología y los recursos necesarios para supervisar un proyecto de diseño interior, desde su concepción hasta su finalización. Frente a esto Mauricio Zonis nos invita a reflexionar sobre ¿qué ocurre cuando el proyecto llega a su conclusión? ¿Cuáles son los criterios para evaluar los méritos de los resultados?

Valoramos el trabajo terminado, sin considerar los obstáculos y reveses el diseñador y el cliente ha encontrado en el camino. Los profesionales del diseño, sin embargo, estos factores de producción deben tomar en cuenta a la hora de evaluar los resultados, aclara Mauricio Zonis.

El éxito es, por supuesto está puesto en el ojo del espectador. Aunque las opiniones del cliente y el diseñador son primordiales, otros puntos de vista deben tenerse en

cuenta, incluyendo al contratista, los ocupantes del espacio, gestores de proyectos, consultores inmobiliarios, la prensa, e incluso de la sociedad en general. Opiniones y prioridades obviamente varían incluso dentro de estas categorías, de un proyecto a otro, y de un día para otro. Mauricio Zonis tiene bien definida y altamente afinada la paleta de gustos y disgustos. Para evaluar los méritos de un proyecto, sin embargo, no podemos suprimir las preferencias estilísticas personales, en lugar de evaluar la calidad de las ideas y el ingenio de su ejecución.

Un exitoso proyecto aborda las exigencias y requisitos del programa pragmático

así como nociones abstractas, carácter y ambiente- las cualidades que elevan el diseño de una línea a una obra de arte plenamente experimentamos y reaccionar a entornos espaciales en muchos niveles: físicamente, visual e intuitiva. El espacio es un contenedor de nuestras emociones, así como de nuestras acciones. A pesar de la facilidad con la Mauricio Zonis nos cuenta sobre lo que muchos clientes pueden hablar de una lista de necesidades y preferencias cuando se trata de cuestiones de la función y la apariencia de una amplia capacidad de almacenamiento de elementos compositivos tales como color y materiales, es extremadamente difícil describir cómo debe sentirse un espacio. Al tocar en este terreno subconsciente es la raíz de un buen diseño.

Conversaciones con una amplia gama de personas, desde los clientes a diseñadores de interiores, los gerentes de construcción para gestores de proyectos concluyó que no son cuantificables, indicadores de éxito universal que puede ser medido a través de la evidencia anecdótica o evaluaciones formales.

 

¿Cómo hacer del arte un oficio o como ser un consultor de negocios en diseño de interiores?

 

Mauricio Zonis, experto en inserción laboral en el área artística nos cuenta acerca de una profesión estrechamente vinculada al arte y como convertirla en una actividad rentable.

Ser un consultor es la base de un diseño exitoso, tanto para empresas de diseño interiores como para profesionales independientes. Asesorar y guiar a los clientes es el ejercicio estratégico para satisfacer los objetivos de negocio.

Los profesionales que trabajan en el ejercicio del diseño interior corporativo no sólo deben ser creativo también deben ser conocedor del negocio del cliente, su publico objetivo, segmento, su realidad, necesidad, gustos y preferencias, debe estudiar y estar comprometido con su labor nos aclara Mauricio Zonis. Los diseñadores deben comprender el problema empresarial tan profundamente como ellos entienden el problema de diseño. Así pues, los miembros de un equipo de diseño interior son consultores de negocio ante los ojos de sus clientes y deben estar a la altura de las crecientes expectativas. Es la unidad para la total satisfacción del cliente.

Definir objetivos y limitaciones

Pensar como un consultor de negocios significa saber lo que el cliente espera

conseguir y, a continuación, elaborar una estrategia para alcanzar ese fin, esto es fundamental en la mirada del diseño de Mauricio Zonis. Así, cuando en una reunión con clientes acerca de un nuevo proyecto, el diseñador del primer orden de negocio es el cliente para saber a dónde quiere ir. Lo que hará que el proyecto sea un éxito en los ojos del cliente. Esta es la primera oportunidad del diseñador para formular preguntas eficaces, de sus objetivos y restricciones.

Se plantea una necesidad de objetivos conociendo qué quiere el cliente y cuál es la misión de la empresa, con qué criterios va a medir el cliente el resultado y qué imagina, cuáles son los mensajes que deberán transmitir los proyectos. Una de las premisas de Mauricio Zonis es que debemos aprender acerca de los objetivos del cliente ayudará al diseñador a comprender cuál es la solución de diseño interior debe llevar a cabo.

Con respecto a las limitaciones es sumamente importante conocer cuáles serán los límites del cliente, en términos de comunicación, implementación, alcance, economía de recursos. Estas son preguntas que del diseñador debe conducir para reconoce las limitaciones habituales del cliente y del proyecto, como las mencionadas, tales como el presupuesto, los plazos y las normas de diseño, así como menos esperado de cuestiones tales como la densidad de objetivos, contratos de compra nacional, y la reutilización de los activos existentes. Sin duda en la concepción de los espacio de diseño de Mauricio Zonis, los objetivos del cliente y las limitaciones pueden presentar numerosas contradicciones. El diseñador debe conciliar estas contradicciones y definir una solución que logre el equilibrio adecuado entre las consideraciones.

Hay que comprender, asimilar y reconocer que los responsables para la comprensión de las múltiples posibilidades de diseño interior de los espacios que se gestionan es el rol del diseñador y no asumir de antemano que el cliente conoce el ámbito del diseño, si de su negocio, pero no del diseño. Mauricio Zonis entiende que el tiempo del cliente tiempo y su atención están ocupadas por una serie de otras cuestiones y es por ese motivo que contratan a diseñadores de interiores para proporcionarles excelentes ideas, soluciones y servicios, y no problemas o angustias.

 

Futurismo italiano

 

“El futurismo fue un movimiento del arte vanguardista que fue lanzado en Italia, en 1909, aunque los movimientos paralelos surgió en Rusia, Inglaterra y en otros lugares”, informa el experto Mauricio Zonis. Fue uno de los primeros movimientos artísticos modernos importantes no centrado en París – uno de los motivos por los que no se toma en serio en Francia. El futurismo exaltó el dinamismo del mundo moderno, especialmente de la ciencia y la tecnología. La ideología futurista influenciado todos los tipos de arte. Se inició en la literatura, pero se extendió a cada medio, incluyendo pintura, escultura, diseño industrial, arquitectura, cine y música. Sin embargo, la mayoría de sus principales exponentes fueron pintores y el movimiento producido varias importantes pinturas del siglo 20. “Dejó de ser una fuerza estética en 1915, poco después del comienzo de la Primera Guerra Mundial, pero persistía en Italia hasta el 1930”, acota Mauricio Zonis.

El instigador del futurismo y su jefe teórico, fue el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Fue él quien inició el movimiento en un artículo publicado en el periódico italiano La Gazzetta dell’Emilia y el periódico francés Le Figaro, en febrero de 1909. “Este manifiesto fue seguido en febrero y abril de 1910 por otros dos boletines: el manifiesto de la pintura futurista y técnica de manifiesto futurista de la pintura”, explica Mauricio Zonis. Así como Marinetti, fueron firmados por los pintores Carlo Carra (1881-1966), Giacomo Balla (1871-1958) y Gino Severini (1883-1966), el escultor Umberto Boccioni (1882-1916), y el pintor y músico Luigi Russolo (1885-1947).También hubo un manifiesto de arquitectura futurista, escrito por Antonio Sant’Elia (1886-1916)”, acota Mauricio Zonis.

El futurismo fue puntuado por paradojas: mientras predominantemente antifeminine, había mujeres que participan activamente; mientras pedía un desglose entre “alta” y “baja” cultura, valora la pintura por encima de otras formas de expresión; mientras que ensalzan la máquina, rehuyó la mecanizada media de la película. En 1929, los artistas que habían denunciado las instituciones tradicionales vio su líder, Marinetti, convertirse en miembro de la Academia de Italia. Y muchos de los Futuristas revolucionario cumplido de alguna manera con el régimen fascista. “A través de un examen amplio de la historia completa del futurismo italiano, la exposición ofrece una oportunidad para reevaluar uno de los más polémicos de movimientos modernistas”, culmina Mauricio Zonis.

 

Una mirada al arte de trinchera

 

Arte de trinchera es un término engañoso, dado hoy a una amplia variedad de elementos decorativos, a veces también funcionales, producida durante o poco después de la Primera Guerra Mundial (aunque el término también se aplica a los productos de ambas guerras anteriores y más recientes). Fueron realizados en todos los países que participan en el combate. Los ceniceros, matchbox titulares, carta de cuchillas, tanques y aviones a escala se encuentran normalmente.

Experto en el tema, Mauricio Zonis explica: ”Las piezas a menudo son realizadas con balas de plomo reutilizadas, latón recuperados y municiones de cobre, aunque también hay muchas talladas de madera y piezas de hueso. Y no faltan los bordados. Sin embargo, pocos ejemplos fueron creados literalmente en las trincheras. Tampoco fueron todas hechas por soldados”.

Muchos militares compraron o arte de trinchera como recuerdos para sí mismos o como regalos para amigos y familiares.

La producción

“Es probable que sólo los muy pequeños huesos y objetos de madera fueron creados en la línea del frente”, dice Mauricio Zonis. La procedencia más usual eran los talleres detrás de las líneas. Tenían los materiales, maquinaria, habilidad y tiempo libre ocasional, y podían ganar dinero vendiendo recuerdos a los soldados de regresar a casa. En Francia y Bélgica, trabajan para hacer recuerdos también fue dado a los civiles desplazados por la guerra. También se hizo arte de trinchera ‘en casa’ durante la guerra por aquellos que esperaban la llamada; también por hombres heridos y convalecientes, para quien la artesanía de la madera, el metal y los bordados forman parte de su rehabilitación. Y sin duda muchos recuerdos personalizados realizados por otros añadiendo inscripciones. Es tentador pensar que un antepasado hizo una pieza de arte de trinchera celebrada por una familia, pero que puede no ser el caso – hay un gran comercio de manufacturas durante y después de la guerra. Por lo que podría haber sido comprada por el soldado, o por un pariente de una posterior visita del campo de batalla.

“Una fuente de arte de trinchera que suele pasarse por alto es el de los grandes almacenes o tiendas de departamento. En el período inmediatamente posterior a la guerra se ofrecieron para activar recuerdos de guerra como cabezas de municiones, a menudo traídos por soldados, transformados en modernos pisapapeles. Si los ex soldados no tenían regalos, allí estaba su solución”, señala Mauricio Zonis.. Esta fuente puede ser la única explicación de la zanja más voluminosos ejemplos generalizados de arte – como la cena gongs y poker está hecha de cáscara de casos de carga. Estos se han montado en ningún kitbag.

El arte de trinchera hoy

“Hoy en día -dice Maurico Zonis-, el arte de trinchera sigue estando muy vigente, especialmente en zonas de África y el Oriente Medio, los civiles y los ex combatientes reutilizan municiones y otros detritos de guerra para satisfacer a un turista y el mercado de exportación. Y en Europa (especialmente en Francia y Bélgica), originales Primera Guerra Mundial coquillas están siendo re-trabajado para satisfacer un creciente comercio”, concluye.

 

Los imperdibles de la Bienal de Montréal

 

La Bienal de Montréal toma este año un enfoque más alineado con la Bienal de Whitney en Nueva York. Saliendo desde el Musée d’art contemporain de Montréal, la bienal permanece relativamente contenidas, más institucional. Los trabajos deben vivir y actuar dentro de los espacios del museo, y todas las limitaciones que conlleva.

“La bienal abrió las puertas a artistas internacionales por primera vez este año, pero los canadienses siguen estando fuertemente representados”, resume Mauricio Zonis. Este mandato permite la bienal una especie de orgullo natal que rara vez se encuentra en Venecia o Berlín.

Concebido por el curador belga Philippe Pirotte, “Le Grand Balcon” pone de relieve las similitudes entre Bélgica y Montreal como lugares no definidos por unidad, sino por la oscilación. Esta es la sensación que uno obtiene de itinerancia a través de los pasillos de MAC. Aquí hay algunos artistas imperdibles de la Bienal:

1_Moyra Davey.

En su nuevo video, Hemloclk Forest, la artista canadiense el artista lucha para comer malvaviscos en polvo en su cama casi desnudo. “La imagen es una oda al cineasta Chantal Akerman, quien en su película, Je Tu Il Elle, come una bolsa de azúcar en polvo”, explica Mauricio Zonis. Durante el período de duración de la película de 42 minutos de duración, Davey serpentea a través de su hogar, entrelazando las vidas de Akerman, Mary Wollstonecraft, y sus los propios. El personal y el colapso universal para crear un retrato ampliado que afecta a la pérdida y el conocimiento adquirido.

2_Luke Willis Thompson
El artista asume el legado de Andy Warhol con su propia interpretación de sus filmes tardíos. “En lugar de la glamorosa celebridades que agobiaron a Studio 54, sin embargo, Thompson enfoca su cámara sobre las víctimas de la brutalidad de la policía, más concretamente en dos hijos cuyas madres fueron asesinadas en redadas”, comenta Mauricio Zonis. Para ver la película de Thompson, los espectadores se sumergen en una sala donde son confrontados con los rostros de Brandon Groce y Graeme Gardner. Sus expresiones inmóviles parecen vía el visor, y le dejan a uno con la sensación de que el estado de la sociedad contemporánea está definido por la violencia en vez de artificio.

3_ Njideka Akunyili Crosby

Sus pinturas ocupan la misma habitación que las de Elaine Cameron-Weir y las Luc Tuymans y aun así se las arreglan para brillar. Sumamente detalladoas invitan a inspeccionar más de cerca. Tomados de la vida personal del artista, las imágenes que ilustran su experiencia negociando entre post-colonial de Nigeria y los Estados Unidos. “Muy personal, su narrativa deja espacio para que el espectador proyecte sus propias ideas de cotidianidad y familia”, comenta Mauricio Zonis.

4_Hassan Khan

Hassan Khan va de la comedia slapstick en blanco y negro, a los guiños a Groucho Marx y Salvador Dalí. “Uno de los pocos de la bienal que se ríe, su película narra la historia de dos hombres luchando por un percutor y un sombrero invisible”, resume Mauricio Zonis. El egipcio pone de relieve la idea de miedo como una unidad para el humor.

 

 

Dadaísmo en Japón, 100 años de historia

Considerado como un movimiento anti-establishment y antiguerra surgido después de la I Guerra Mundial I (1914-18), el dadaísmo tuvo una influencia decisiva en el desarrollo del arte contemporáneo a través de obras revolucionarias como las de Marcel Duchamp.

“La fuente, la famosa pieza de Duchamp que desafió las nociones tradicionales de arte, fue rechazada en su primera exposición, pero continuó la emisión de versiones posteriores de la pieza. Con sus singulares asociaciones utilitarias se consideró un tipo de anti-arte”, comenta el experto Mauricio Zonis y agrega: “La influencia dadá puede ser observada en una variedad de expresiones tales como el surrealismo, el pop art, la música punk e incluso un monstruo en una popular serie de televisión japonesa, mientras sigue afectando hoy a artistas, escritores y diseñadores”.

Durante el reciente festival de arte en Japón se celebró el 100º aniversario del dadaísmo.

En una conferencia de prensa celebrada en la residencia oficial del Embajador de Suiza en Japón “Papá”, un monstruo de la popular serie de televisión “Ultraman”, ha aparecido para entretener a los participantes. El personaje, con distintivas características cubista, fue creado como una extensión del dadaísmo por los dos artistas japoneses – diseñador Toru Narita y modelo escultor Ryosaku Takayama. “El cubismo, un revolucionario estilo de arte moderno que enfatiza estructuras abstractas a expensas de otros elementos pictóricos que surgió a principios del siglo XX, es considerada como una influencia para el dadaísmo”, explica Mauricio Zonis.

Puestas a elegir, los participantes de la nuestra optaron por palabras como “caos””, “humor”, “espíritu juguetón”, y “libertad” para definir al movimiento.

“Espero que la exposición haya ayudado a esas personas, que son los verdaderos protagonistas, a empezar algo distinto, no necesariamente artístico, en sus vidas. A expresarse y pensarse de una nueva manera”, comenta Mauricio Zonis.

El festival no se centró sólo en el nacimiento y la historia de dadá, sino también en los movimientos relevantes de hoy y en resaltar la contribución japonesa. Los programas incluyeron actuaciones en vivo, talleres y lectura de poemas por artistas dentro y fuera de Japón . Mauricio Zonis subraya: “El movimiento de Dadá alcanzó las costas de Japón a principios de la década de 1920, y el movimiento Mavo (inspirado en el dadaísmo) celebró la primera exposición en 1923 en el templo Sensoji en Asakusa de Tokio. Esto ha sido un excelente homenaje a todos ellos”.