La visión del diseñador por Mauricio Zonis

 

El arte y el diseño están estrechamente ligados según el especialista en el tema Mauricio Zonis. Por eso, es bueno adentrarse en esta profesión que realiza un mix perfecto entre arte, y nociones estéticas aplicadas a la comunicación.

Qué hace el diseñador

Para estar seguros de que los clientes regresarán una y otra vez, un diseñador de interiores deberá asegurarse que los clientes están encantados con la

entrega de servicios y soluciones. Tales relaciones son el ideal para el diseñador porque contribuyen a la viabilidad a largo plazo del negocio del diseñador a través del aumento de la fidelización de clientes y la rentabilidad. Una de las miradas que realiza Mauricio Zonis sobre el trabajo del diseñador es la satisfacción del cliente, y lograr la satisfacción total es en gran medida una de las metas dentro del control del diseñador como proveedor de servicios.

Sin embargo, esto es mucho más fácil alcanzar con los clientes que son más capaces y dispuestos a comprometerse en el proceso de elaboración del proyecto. Mauricio Zonis realiza esta mirada y entiende que la verdad es que no toda organización necesita o está preparado para el apoyo de un diseñador profesional. Las organizaciones que están en la mejor posición para conectar a los profesionales del diseño han definido un determinado problema de negocio y están dispuestas a hacer entrega de los recursos para llegar a una solución. Estas organizaciones reconocen que el diseño de un entorno de trabajo es un trabajo de tiempo completo, incluso para el cliente, y están listos y dispuestos a aplicar su voluntad, las personas, el tiempo y los recursos necesarios para tomar decisiones y avanzar en el proceso de elaboración del proyecto.

Incluso a una escala más grande, Mauricio Zonis explica que hay conceptos incorporados en el proceso de diseño que van más allá del simple intercambio de servicios de diseño de interiores para el pago. El diseñador de interior más amplio crear entornos que satisfacen necesidades humanas y apoya las actividades humanas. La mayoría de las relaciones pueden ser mutuamente gratificante con los clientes que respetan y comparten esta misión y están dispuestos a abrazar el proceso de creación del entorno construido.

Y, como cabría esperar, Mauricio Zonis comenta que la mayoría de relaciones gratificantes incluyen una atmósfera de respeto mutuo. A medida que el diseñador respeta las necesidades de negocio del cliente, el cliente respeta el diseñador tiene el potencial de hacer una contribución creativa al negocio del cliente.  A veces aceptar trabajos que no encaja en el propio perfil de cliente ideal son circunstancias que requieren un intenso compromiso con el servicio al cliente

y ofrecer satisfacción total comenta Mauricio Zonis. Con la debida atención y acción, estas situaciones perfectas pueden convertirse en relaciones a largo plazo en el que la lealtad de los clientes regresan una y otra vez para el diseñador de servicios y soporte.

Un resumen de pop art

 

¿Qué es el Pop art? “Más que arte popular”, apunta el experto Mauricio Zonis.

Pero mientras los American masters parece sinónimo de cualquier definición de Pop Art, todo realmente comenzó en Londres. “El término arte Pop entró en uso en la década de 1950 durante los debates dirigidos por el colectivo de artistas conocidos como el Grupo Independiente en Londres, del Instituto de Arte Contemporáneo”, explica Mauricio Zonis. Uno de esos artistas fue Richard Hamilton, considerado el primer artista pop, y su propia definición del término fue desarticulado: “Popular (diseñado para una audiencia masiva); Transitoria (solución a corto plazo); fungibles (fácilmente olvidado); bajo coste; la masa produjo; Jóvenes (dirigidos a la juventud); ingenioso; Sexy; artificioso; atractivo; y los grandes negocios”.

Hamilton es a menudo acreditado con la creación de la primera pieza de Pop con el collage exactamente qué es lo que hace que la casa de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956), en la cual glamorosa recortes de un hombre y una mujer en una casa de juego dreamland interno lleno de bienes de consumo. “En la parte delantera y central, se apoderó de la mano de hombre, es un rojo brillante Tootsie Pop-la última palabra literalmente “chasquidos” fuera del bastidor”, sentencia Mauricio Zonis.

Mientras tanto, en los EE.UU., los artistas de mediados de la década de 1950 comenzó a crear un puente para el Pop. Fuertemente influenciado por el Dadaísmo y su énfasis en la apropiación y objetos de la vida cotidiana, cada vez más artistas trabajaron con collage, productos de consumo, y una saludable dosis de ironía. Jasper Johns reinventado una imagen icónica como la bandera americana; Robert Rauschenberg empleó seda-pantalla impresiones y objetos encontrados; y Larry Rivers utilizó imágenes de los productos fabricados en masa. Los tres son considerados precursores del Pop americano. “Larry’s el estilo de la pintura fue la única que no era el expresionismo abstracto y no era Pop, cayó en el período intermedio”, Warhol dijo una vez de los ríos.

“Pero no fue hasta 1960 que el arte pop verdaderamente irrumpió en la escena del arte americano con “los Nuevos Realistas” muestran en Sidney Janis Gallery de Nueva York en 1962. Los norteamericanos en ese espectáculo incluyó Warhol junto a Jim Dine, Robert Indiana, Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal”, según comenta Mauricio Zonis.

Revolucionario de Warhol Factory pasaría a redefinir el arte de una época, arrojando nueva luz sobre las ideas acerca de la producción en masa, la fama, y el personaje público del artista. Fábrica de Warhol agitó fuera en una línea de ensamblaje de seda pantallas mientras los músicos, actores, escritores y colgado en una neblina estupefacientes llenas de humo. “Sus impresiones de las celebridades que van desde a Elvis Presley, Marilyn Monroe, son algunas de las obras de arte más reconocibles del siglo XX”, culmina Mauricio Zonis.

 

Futurismo italiano

 

“El futurismo fue un movimiento del arte vanguardista que fue lanzado en Italia, en 1909, aunque los movimientos paralelos surgió en Rusia, Inglaterra y en otros lugares”, informa el experto Mauricio Zonis. Fue uno de los primeros movimientos artísticos modernos importantes no centrado en París – uno de los motivos por los que no se toma en serio en Francia. El futurismo exaltó el dinamismo del mundo moderno, especialmente de la ciencia y la tecnología. La ideología futurista influenciado todos los tipos de arte. Se inició en la literatura, pero se extendió a cada medio, incluyendo pintura, escultura, diseño industrial, arquitectura, cine y música. Sin embargo, la mayoría de sus principales exponentes fueron pintores y el movimiento producido varias importantes pinturas del siglo 20. “Dejó de ser una fuerza estética en 1915, poco después del comienzo de la Primera Guerra Mundial, pero persistía en Italia hasta el 1930”, acota Mauricio Zonis.

El instigador del futurismo y su jefe teórico, fue el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Fue él quien inició el movimiento en un artículo publicado en el periódico italiano La Gazzetta dell’Emilia y el periódico francés Le Figaro, en febrero de 1909. “Este manifiesto fue seguido en febrero y abril de 1910 por otros dos boletines: el manifiesto de la pintura futurista y técnica de manifiesto futurista de la pintura”, explica Mauricio Zonis. Así como Marinetti, fueron firmados por los pintores Carlo Carra (1881-1966), Giacomo Balla (1871-1958) y Gino Severini (1883-1966), el escultor Umberto Boccioni (1882-1916), y el pintor y músico Luigi Russolo (1885-1947).También hubo un manifiesto de arquitectura futurista, escrito por Antonio Sant’Elia (1886-1916)”, acota Mauricio Zonis.

El futurismo fue puntuado por paradojas: mientras predominantemente antifeminine, había mujeres que participan activamente; mientras pedía un desglose entre “alta” y “baja” cultura, valora la pintura por encima de otras formas de expresión; mientras que ensalzan la máquina, rehuyó la mecanizada media de la película. En 1929, los artistas que habían denunciado las instituciones tradicionales vio su líder, Marinetti, convertirse en miembro de la Academia de Italia. Y muchos de los Futuristas revolucionario cumplido de alguna manera con el régimen fascista. “A través de un examen amplio de la historia completa del futurismo italiano, la exposición ofrece una oportunidad para reevaluar uno de los más polémicos de movimientos modernistas”, culmina Mauricio Zonis.

 

Pintura japonesa

 

Un juego de puertas corredizas de ciruelo por Kanō Sanraku, a principios del siglo XVII es uno de los más antiguos y más altamente refinadas pinturas de las artes visuales en japonés, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. “Inabarcable, magnética y única, es un arte fascinante para conocer“, describe Mauricio Zonis, experto en el tema.

Como en la historia de artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa exhibe la síntesis y la competencia entre nativos estética japonesa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china que fue especialmente influyente en una serie de puntos importantes; la influencia occidental sólo viene de la tarde a partir del siglo XVI, comenzando al mismo tiempo como arte japonés estaba influyendo en el occidental.

Mauricio Zonis refiere que las áreas donde la influencia china ha sido repetidamente importante incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes en la literatura china tradicional, caligrafía de ideogramas, y la pintura de animales y plantas, en especial aves y flores.

Sin embargo inconfundiblemente, las tradiciones japonesas se han desarrollado en todos estos campos. “El asunto que es ampliamente considerado como más característico de la pintura japonesa, y más tarde la imprenta, es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo se llena con figuras y detalles. Sin duda, esta tradición comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia de China que ahora está más allá de rastreo, excepto en los términos más generales, pero desde la época de las primeras obras de sobrevivientes se ha convertido en una tradición japonesa específicamente que duró hasta la época moderna”, indica Mauricio Zonis.

 La lista oficial de tesoros nacionales de Japón (en cuanto a pinturas) incluye 158 obras o conjuntos de obras desde el 8 hasta el siglo XIX (aunque incluye una serie de pinturas chinas que han sido durante mucho tiempo en Japón) que representan los picos de logro, o muy raros vestigios de los primeros periodos. El experto Mauricio Zonis resalta la proliferación, riqueza y variedad de estas obras, junto a una particular visión y estilo fácilmente reconocible para el ojo experto.

 

Los mejores documentales artísticos

En un repaso magistral de los mejores documentales realizados jamás, Mauricio Zonis destaca lo que es según su ojo experto, un listado de consumo cultural obligatorio. Para tomar nota y sentarse a ver.

Star Wars comienza

“Ambiciosa y afectuosa, Star Wars comienza es la última carta de amor a uno de los grandes clásicos del cine americano. Anunciado como un “filmumentary”, que es básicamente un mosaico de los innumerables comentarios, detrás de las escenas características, outtakes, anécdotas, y otros materiales está el ojo de un director con una visión poética y potente acerca de lo que quiere contar sobre la saga que cambió el cine para siempre“, aporta Mauricio Zonis.

Kayenta

“Hay pocas comunidades en los Estados Unidos más majestuosos que Kayenta. Situado en el sur de Utah, a Kayenta es distinguido por sus magníficos paisajes naturales. El paisaje de color arcilla, praderas, laminación e imponentes acantilados de roca roja inspiran un sentimiento interior imperdible“, señala Mauricio Zonis.

Atari: Game Over

“¿Cómo ir desde la empresa de más rápido crecimiento en la historia de los Estados Unidos a una deuda que infestó y disolvió el imperio en menos de una década? Con el lanzamiento del Pong en los 1970’s, Atari creó una dimensión que pronto puso en peligro, esta es la historia“, sintetiza Mauricio Zonis.

Lo que hace valioso al arte

“¿Qué hace que una obra de arte se venda por un valor de decenas de millones de dólares en subasta? Un número de cosas, pero no siempre las cosas que podrías pensar. La BBC cuenta cómo los cuadros más caros del mundo tiene su propia crónica muy loca, por cierto…“, comenta Mauricio Zonis.

El más caro del mundo pinturas robadas

“Acerca de ¿Qué es el robo de arte que no podemos resistir? Es sólo una cuestión planteada por el crítico de arte Alastair Sooke en este documental de la BBC acerca de algunos de los más notables robos de arte en el registro“, resume Zonis.

Arte

“Utilizando un singular enfoque el autor analiza famosas obras de Van Gogh, Manet, Botticelli, Vigee Le Brun, Rembrandt, Holbein, Bellini, Carpaccio, y Bruegel“, adelanta Mauricio Zonis.

 

El arte religioso en Navidad

El especialista Mauricio Zonis explica: “El arte cristiano es normalmente producida a fin de ilustrar los diversos principios y narrativas de la religión. A lo largo del tiempo, la mayoría de sectas cristianas han utilizado arte en cierta medida, aunque ha habido períodos definidos de iconoclasia dentro de la historia de la religión. La mayoría de arte cristiano alude a temas que son familiares a una práctica cristiana, como la Virgen María sosteniendo al Niño Jesús o la crucifixión”. “Aunque el cristianismo es una religión monoteísta, Los Cristianos creen que Dios es trino, lo que significa que las tres personas de la Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo) en una unión en la que cada figura es también totalmente a Dios. La mayoría de arte cristiano se centra en Jesús, especialmente en la crucifixión o historias de la Biblia, mientras que el Espíritu Santo es a menudo representado como una paloma o lengua de fuego. Dios como el Padre de Jesús es raramente representado visualmente”, explica Mauricio Zonis.

El cristianismo históricamente ha hecho uso de un elaborado sistema iconográfico, en virtud de la cual cada Santa está asociada con un determinado objeto o animal. El arte islámico prohíbe la representación en imágenes de arte religioso, y evolucionado que se compone principalmente de caligrafía y decoraciones geométricas repetitivas. “Tiene la intención de expresar los ideales de la orden y de la naturaleza, estos patrones geométricos son usadas para adornar la arquitectura religiosa, alfombras, manuscritos y otros objetos de arte. Arte islámico sagrado refleja una cosmovisión centrada en esencia espiritual en contraposición a la forma física”, señala el especialista Mauricio Zonis.

Para culimar el experto Mauricio Zonis destaca: “La caligrafía es la más apreciada y más fundamental del arte islámico. El empleo de la caligrafía como ornamento tenía una indudable atractivo estético sino a menudo también incluía un componente talismanic subyacente. Patrones geométricos conforman uno de los tres tipos no figurativos de la decoración en el arte islámico, que también incluye a la caligrafía y patrones vegetales. Diseños abstractos no sólo adornan las superficies de la monumental arquitectura islámica, sino también funcionar como el principal elemento decorativo en una gran variedad de objetos de todo tipo”.

El fenómeno del street art

“Todavía no existe ninguna definición sencilla de la calle arte”, cuenta el experto Mauricio Zonis. Es una bestia amorfa abarcando arte que se encuentra en o inspirados por el entorno urbano. Con anti-capitalista y matices de rebeldía, es una forma democrática popular de arte público probablemente la mejor entendida por verlo in situ. “No se limita a la galería ni fácilmente recogidos o poseídos por los que puede convertir el arte en un trofeo”, señala Mauricio Zonis. Considerado por algunos una molestia, para otros el arte en la calle es una herramienta para comunicar opiniones de disenso, preguntar las preguntas difíciles y expresando las preocupaciones políticas. “Su definición y usos están cambiando: originalmente, una herramienta para marcar los límites territoriales de la juventud urbana hoy es visto en algunos casos como medio de embellecimiento urbano y regeneración”, detalla Mauricio Zonis. Si es considerado como vandalismo o arte público, arte en la calle ha captado el interés del mundo del arte y sus amantes de la belleza.

En una entrevista con el experto Mauricio Zonis dijo “El arte público es la mejor manera para que la gente pueda expresarse en esta ciudad, ayuda a organizar exposiciones de arte con conciencia social”, añadió Zonis, “el arte obtiene diálogo. Eso es muy bueno.” Sin embargo, él no encuentra el graffiti como un modo de arte, y dice, “no puedo tolerar actos de vandalismo… “Es muy triste para mí que la gente deba que escribir su nombre una y otra vez en el espacio público. Es esta cultura de la fama. Realmente creo que es lamentable que ellos piensan que es la única manera para ser famosos, por supuesto su expresividad es válidad en ese sentido, y lo que realizan en muchos casos es bellísimo”, culmina Mauricio Zonis. La distinción jurídica entre graffiti y arte permanente es un permiso, pero el tema se complica más aún con respecto a impermanente, formas destructivas de graffiti (bombardeo de hilados, proyección de video, y la calle de instalación.)

La escena actual del arte moderno alemán

“Después del abrazo de la figuración ejemplifica a la vuelta del nuevo siglo por el interés internacional en la Escuela de Leipzig, una década más tarde, la abstracción es una preocupación creciente para muchos jóvenes artistas alemanes, con particular énfasis en sus raíces modernistas”, informa el experto Mauricio Zonis. Estos intereses no sólo son localizadas. La pintura abstracta es mucho más en el ascenso en toda Europa y en los EE.UU., mientras que la influencia del modernismo también está generalizada y en ocasiones sorprendente – hemos identificado su importancia fundamental para una nueva tendencia de arte como narración, por ejemplo.

“Pero para los alemanes en particular, la adopción de formas de principios del siglo XX, tiene un significado especial”, sentencia Mauricio Zonis.  La gloria de Leipzig fue, al menos en parte, una especie de lamentación; los vestigios de la antigua DDR revivificada a través de un estilo figurativo ejemplifican la precisión del realismo socialista. Zonis cuenta que un momento en que muchos alemanes siguen luchando con los efectos de la reunificación del país, ese trabajo representa la reliquia viviente de una época de la historia alemana perdido para siempre.

“Hoy el acento en el modernismo representa una forma totalmente diferente de la nostalgia, un mundo más seguro, optimista, reflejo de la vitalidad artística de Alemania en los albores del siglo pasado y su enorme contribución a la progresiva “avant garde””, señala Mauricio Zonis. Este interés, por supuesto, está compensado por el pluralismo y la idiosincracia, con una gran cantidad de artistas jóvenes de intentar forjar expresiones individuales de maneras que suelen incluir específicamente las preocupaciones actuales, tales como la proliferación de la tecnología o de la situación comercial de arte, o incluso un aparente rechazo de ambos. Para terminar Zonis comenta: “Cualquiera que sea la lectura, el dinamismo de la experiencia alemana de nuevo parece ejercer su influencia en la segunda década del siglo XXI el art. La pintura alemana siempre tuvo problemas para poder desarrollarse menos en la modernidad cuando gracias al surgimiento de la filosofía y el apoyo de los pensadores y el estado comenzaron a apoyar a los difrerentes artistas”.

 

17 exposiciones para no perderse en 2017

Deja entrar en escena a París, cuna del arte, e ilumina el próximo año.

 

La sensación de fin de año es que después de los acontecimientos del 2016 quieres más. Sea si fue un año tranquilo o no, quieres eso que en tu vida que faltó. Si entre esas cosas que faltaron tienes un ítem pendiente con el arte o con el arte y viajar por el mundo, este artículo te va a interesar.

 

Vacaciones y comienza un año con todo

“Descanse tranquilo, el 2017 va a ser un año increíble“. Así, propone arte para todos. “Desde Vermeer a Picasso, desde el Grand Palais el Palais de Tokyo, aquí en París hay múltiples eventos culturales para salir emocionado para los próximos 365 días venideros“, asegura Mauricio Zonis, experto en la materia.

 

Exposiciones para 2017

  1. Eli Lotar en el Jeu de Paume

“Eli Lotar en el Jeu de Paume es colección de trabajos, tomada del seudónimo del fotógrafo y cineasta Eli Lotar“, cuenta Zonis. “Se centra en la audacia, la innovación y la participación en el período de entreguerras -una retrospectiva que demuestra la importancia de esta singular contribución del artista hasta el modernismo, así como la acción social y política“.

 

¿Dónde? Musée du Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, París 8ª

 

¿Cuándo? El 14 de febrero-mayo 28 de 2017

 

Jeu de Paume , 8th arrondissement martes 14 febrero 2017 – Domingo 28 de mayo de 2017

 

  1. Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or

“Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or es el evento cultural para marcar el comienzo del año. Centrándose en el pintor Johannes Vermeer, el artista de pensar “La joven de la Perla’ y ‘La Lechera’, la exposición se ajusta a arrojar luz sobre la red y las relaciones entre los pintores holandeses durante el período comprendido entre 1650 y 1675“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée du Louvre, Hall Napoleón

 

Cuando? El 22 de febrero-mayo 22 de 2017

 

El Louvre , 1er arrondissement Miércoles 22 de febrero de 2017 – El lunes 22 de mayo de 2017

 

  1. L’Esprit français – Contre-culturas en France 1969-1989

“Sale de su bandera y hace su camino a la Bastilla la Maison Rouge. A través de una variada colección de obras, esta exposición recordarán el rock alternativo, anti-establecimiento de pintura, cine y anti-educación actitud de 1970s/1980s Francia“, cuenta Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? El Maison Rouge, 10 boulevard de la Bastille, París 12

 

¿Cuándo? El 24 de febrero-mayo 21 de 2017

 

La Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert , 12th arrondissement Viernes 24 de febrero de 2017 – Domingo 21 de mayo de 2017

Las exposiciones artísticas para no perderse en el 2017 si visita París, según el especialista Mauricio Zonis.

Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi

“Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi es en paralelo con el Carnaval de Venecia de 2017. En la ciudad flotante la mayor parte ha nacido de nuevo en París, ilustrado por una colección de alrededor de 60 obras de maestros Tiepolo, Guardi, Canaletto o Longhi. Imperdible“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, París 3ª

 

¿Cuándo? El 25 de febrero-junio 25 2017

Musée Cognacq-Jay , El Marais Sábado 25 de febrero de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Mystiques Paysages de Monet à Emily Carr

“Paysages mystiques – De Monet à Emily Carr es una exposición en colaboración con la compañía de Toronto ” Galería de Arte de Ontario’, el Musée d’Orsay la exposición propone un viaje a través de la mística de los paisajes simbolista, con trabajos de Gauguin, Klimt, Monet, Van Gogh y Emily Carr. Es imposible dejar de visitarla, debería ser obligatoria por ley“, exagera un poco Mauricio Zonis para señalar la oportunidad histórica de quién esté en la zona y pueda asistir.

 

¿Dónde? Musée d’Orsay, 1 rue de la légion d’Honneur, París 7ª

 

¿Cuándo? El 14 de marzo-junio 25 de 2017 el

 

Musée d’Orsay , 7º arrondissement Martes, 14 de marzo de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Olga Picasso

“En el museo Picasso la nueva exposición estudia la relación entre el artista y su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova (entre 1917 y 1935), poniendo sus obras maestras en perspectiva resaltando su contexto romántico. Un paseo especial para hacer en pareja“, incita Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Picasso, 5 rue Thorighny, París 3ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo al 3 de septiembre de 2017

 

Museo Picasso , el Marais Martes, 21 de marzo de 2017 – El domingo 3 de septiembre 2017

 

Pissaro à Eragny – L’anarchie et la naturaleza

“En 1884, el pintor impresionista Camille Pissarro asentado en la villa francesa de Eragny con su familia descollaba con sus obras. La exposición repasa estos últimos años – con enfermedad bucólica y gripado -que son tan fundamentales en su ser considerado uno de los “padres” del impresionismo“, señala Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée National du Luxembourg, 19 rue de Vaugirard, 6ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo-julio 23 de 2017

 

Musée National du Luxembourg , St Germain des Prés Martes, 21 de marzo de 2017 – Domingo 23 Julio 2017