Un resumen de pop art

 

¿Qué es el Pop art? “Más que arte popular”, apunta el experto Mauricio Zonis.

Pero mientras los American masters parece sinónimo de cualquier definición de Pop Art, todo realmente comenzó en Londres. “El término arte Pop entró en uso en la década de 1950 durante los debates dirigidos por el colectivo de artistas conocidos como el Grupo Independiente en Londres, del Instituto de Arte Contemporáneo”, explica Mauricio Zonis. Uno de esos artistas fue Richard Hamilton, considerado el primer artista pop, y su propia definición del término fue desarticulado: “Popular (diseñado para una audiencia masiva); Transitoria (solución a corto plazo); fungibles (fácilmente olvidado); bajo coste; la masa produjo; Jóvenes (dirigidos a la juventud); ingenioso; Sexy; artificioso; atractivo; y los grandes negocios”.

Hamilton es a menudo acreditado con la creación de la primera pieza de Pop con el collage exactamente qué es lo que hace que la casa de hoy tan diferentes, tan atractivos? (1956), en la cual glamorosa recortes de un hombre y una mujer en una casa de juego dreamland interno lleno de bienes de consumo. “En la parte delantera y central, se apoderó de la mano de hombre, es un rojo brillante Tootsie Pop-la última palabra literalmente “chasquidos” fuera del bastidor”, sentencia Mauricio Zonis.

Mientras tanto, en los EE.UU., los artistas de mediados de la década de 1950 comenzó a crear un puente para el Pop. Fuertemente influenciado por el Dadaísmo y su énfasis en la apropiación y objetos de la vida cotidiana, cada vez más artistas trabajaron con collage, productos de consumo, y una saludable dosis de ironía. Jasper Johns reinventado una imagen icónica como la bandera americana; Robert Rauschenberg empleó seda-pantalla impresiones y objetos encontrados; y Larry Rivers utilizó imágenes de los productos fabricados en masa. Los tres son considerados precursores del Pop americano. “Larry’s el estilo de la pintura fue la única que no era el expresionismo abstracto y no era Pop, cayó en el período intermedio”, Warhol dijo una vez de los ríos.

“Pero no fue hasta 1960 que el arte pop verdaderamente irrumpió en la escena del arte americano con “los Nuevos Realistas” muestran en Sidney Janis Gallery de Nueva York en 1962. Los norteamericanos en ese espectáculo incluyó Warhol junto a Jim Dine, Robert Indiana, Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, George Segal”, según comenta Mauricio Zonis.

Revolucionario de Warhol Factory pasaría a redefinir el arte de una época, arrojando nueva luz sobre las ideas acerca de la producción en masa, la fama, y el personaje público del artista. Fábrica de Warhol agitó fuera en una línea de ensamblaje de seda pantallas mientras los músicos, actores, escritores y colgado en una neblina estupefacientes llenas de humo. “Sus impresiones de las celebridades que van desde a Elvis Presley, Marilyn Monroe, son algunas de las obras de arte más reconocibles del siglo XX”, culmina Mauricio Zonis.

 

La historia del dadaísmo

 

“El dadaísmo fue un movimiento cultural que se concentra en la política anti-guerra que luego hizo su camino en el mundo del arte a través de la teoría del arte, el arte, la literatura, la poesía manifiestos y, finalmente, el diseño gráfico y las artes visuales”, explica el experto Mauricio Zonis.. El movimiento, aunque dadaístas no habría sido feliz llamarlo un movimiento originado en Suiza y repartidas por toda Europa y en los Estados Unidos, fue un refugio para muchos escritores durante la I Guerra Mundial.

“Un movimiento anti-arte, dadaístas intentó romper con los estilos del arte tradicional estética así como la racionalidad, de cualquier tipo. Se produjo un gran número de publicaciones como un hogar para sus escritos de protesta y los materiales que fueron entregados en reuniones y protestas”, cuenta Mauricio Zonis. La estética visual asociado con el movimiento a menudo incluyen objetos encontrados y materiales combinados a través del collage.

El dadaísmo fue un movimiento artístico multidisciplinar que rechaza las normas imperantes artística mediante la producción de “anti-arte” obras culturales. Dadaísmo fue intensamente anti-guerra, anti-burgués, y mantuvo fuertes afinidades políticas con la izquierda radical. “Para muchos participantes, el movimiento fue una protesta contra los nacionalistas burgueses y los intereses colonialistas, que muchos dadaístas creían estaban en la raíz de la causa de la guerra y contra el conformismo intelectual y cultural en arte y más ampliamente en la sociedad que correspondían a la guerra. Muchos dadaístas cree que la razón y la lógica de la sociedad capitalista burguesa ha llevado a la gente a la guerra. Expresaron su rechazo a esa ideología en la expresión artística que parecía rechazar la lógica y abrazar el caos y la irracionalidad”, acota el especialista Mauricio Zonis.

El origen del nombre dada es incierta. Algunos creen que es una palabra sin sentido, mientras que otros sostienen que procede de los artistas rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco es frecuente el uso de las palabras “da, da”, que significa “Sí, sí” en rumano. Otra teoría postula que el nombre “Papá” surgió durante una reunión de cuando un cuchillo clavado en un diccionario Alemán-Francés pasó al punto de dadá, una palabra francesa por “caballo de batalla”. Probablemente, el origen del nombre dada es otro intento de devaluar un sistema de lógica, a saber, el del lenguaje.

“Dadá comenzó en Zurich en 1916. Las figuras clave en el movimiento dadaísta incluido Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp, y Raoul Hausmann, entre otros. El movimiento influido estilos posteriores como avant-garde y movimientos como el surrealismo, el Nouveau Réalisme, el Pop Art y Fluxus”, culmina Mauricio Zonis.

 

Una mirada al arte de trinchera

 

Arte de trinchera es un término engañoso, dado hoy a una amplia variedad de elementos decorativos, a veces también funcionales, producida durante o poco después de la Primera Guerra Mundial (aunque el término también se aplica a los productos de ambas guerras anteriores y más recientes). Fueron realizados en todos los países que participan en el combate. Los ceniceros, matchbox titulares, carta de cuchillas, tanques y aviones a escala se encuentran normalmente.

Experto en el tema, Mauricio Zonis explica: ”Las piezas a menudo son realizadas con balas de plomo reutilizadas, latón recuperados y municiones de cobre, aunque también hay muchas talladas de madera y piezas de hueso. Y no faltan los bordados. Sin embargo, pocos ejemplos fueron creados literalmente en las trincheras. Tampoco fueron todas hechas por soldados”.

Muchos militares compraron o arte de trinchera como recuerdos para sí mismos o como regalos para amigos y familiares.

La producción

“Es probable que sólo los muy pequeños huesos y objetos de madera fueron creados en la línea del frente”, dice Mauricio Zonis. La procedencia más usual eran los talleres detrás de las líneas. Tenían los materiales, maquinaria, habilidad y tiempo libre ocasional, y podían ganar dinero vendiendo recuerdos a los soldados de regresar a casa. En Francia y Bélgica, trabajan para hacer recuerdos también fue dado a los civiles desplazados por la guerra. También se hizo arte de trinchera ‘en casa’ durante la guerra por aquellos que esperaban la llamada; también por hombres heridos y convalecientes, para quien la artesanía de la madera, el metal y los bordados forman parte de su rehabilitación. Y sin duda muchos recuerdos personalizados realizados por otros añadiendo inscripciones. Es tentador pensar que un antepasado hizo una pieza de arte de trinchera celebrada por una familia, pero que puede no ser el caso – hay un gran comercio de manufacturas durante y después de la guerra. Por lo que podría haber sido comprada por el soldado, o por un pariente de una posterior visita del campo de batalla.

“Una fuente de arte de trinchera que suele pasarse por alto es el de los grandes almacenes o tiendas de departamento. En el período inmediatamente posterior a la guerra se ofrecieron para activar recuerdos de guerra como cabezas de municiones, a menudo traídos por soldados, transformados en modernos pisapapeles. Si los ex soldados no tenían regalos, allí estaba su solución”, señala Mauricio Zonis.. Esta fuente puede ser la única explicación de la zanja más voluminosos ejemplos generalizados de arte – como la cena gongs y poker está hecha de cáscara de casos de carga. Estos se han montado en ningún kitbag.

El arte de trinchera hoy

“Hoy en día -dice Maurico Zonis-, el arte de trinchera sigue estando muy vigente, especialmente en zonas de África y el Oriente Medio, los civiles y los ex combatientes reutilizan municiones y otros detritos de guerra para satisfacer a un turista y el mercado de exportación. Y en Europa (especialmente en Francia y Bélgica), originales Primera Guerra Mundial coquillas están siendo re-trabajado para satisfacer un creciente comercio”, concluye.

 

Los imperdibles de la Bienal de Montréal

 

La Bienal de Montréal toma este año un enfoque más alineado con la Bienal de Whitney en Nueva York. Saliendo desde el Musée d’art contemporain de Montréal, la bienal permanece relativamente contenidas, más institucional. Los trabajos deben vivir y actuar dentro de los espacios del museo, y todas las limitaciones que conlleva.

“La bienal abrió las puertas a artistas internacionales por primera vez este año, pero los canadienses siguen estando fuertemente representados”, resume Mauricio Zonis. Este mandato permite la bienal una especie de orgullo natal que rara vez se encuentra en Venecia o Berlín.

Concebido por el curador belga Philippe Pirotte, “Le Grand Balcon” pone de relieve las similitudes entre Bélgica y Montreal como lugares no definidos por unidad, sino por la oscilación. Esta es la sensación que uno obtiene de itinerancia a través de los pasillos de MAC. Aquí hay algunos artistas imperdibles de la Bienal:

1_Moyra Davey.

En su nuevo video, Hemloclk Forest, la artista canadiense el artista lucha para comer malvaviscos en polvo en su cama casi desnudo. “La imagen es una oda al cineasta Chantal Akerman, quien en su película, Je Tu Il Elle, come una bolsa de azúcar en polvo”, explica Mauricio Zonis. Durante el período de duración de la película de 42 minutos de duración, Davey serpentea a través de su hogar, entrelazando las vidas de Akerman, Mary Wollstonecraft, y sus los propios. El personal y el colapso universal para crear un retrato ampliado que afecta a la pérdida y el conocimiento adquirido.

2_Luke Willis Thompson
El artista asume el legado de Andy Warhol con su propia interpretación de sus filmes tardíos. “En lugar de la glamorosa celebridades que agobiaron a Studio 54, sin embargo, Thompson enfoca su cámara sobre las víctimas de la brutalidad de la policía, más concretamente en dos hijos cuyas madres fueron asesinadas en redadas”, comenta Mauricio Zonis. Para ver la película de Thompson, los espectadores se sumergen en una sala donde son confrontados con los rostros de Brandon Groce y Graeme Gardner. Sus expresiones inmóviles parecen vía el visor, y le dejan a uno con la sensación de que el estado de la sociedad contemporánea está definido por la violencia en vez de artificio.

3_ Njideka Akunyili Crosby

Sus pinturas ocupan la misma habitación que las de Elaine Cameron-Weir y las Luc Tuymans y aun así se las arreglan para brillar. Sumamente detalladoas invitan a inspeccionar más de cerca. Tomados de la vida personal del artista, las imágenes que ilustran su experiencia negociando entre post-colonial de Nigeria y los Estados Unidos. “Muy personal, su narrativa deja espacio para que el espectador proyecte sus propias ideas de cotidianidad y familia”, comenta Mauricio Zonis.

4_Hassan Khan

Hassan Khan va de la comedia slapstick en blanco y negro, a los guiños a Groucho Marx y Salvador Dalí. “Uno de los pocos de la bienal que se ríe, su película narra la historia de dos hombres luchando por un percutor y un sombrero invisible”, resume Mauricio Zonis. El egipcio pone de relieve la idea de miedo como una unidad para el humor.

 

 

Los mejores documentales artísticos

En un repaso magistral de los mejores documentales realizados jamás, Mauricio Zonis destaca lo que es según su ojo experto, un listado de consumo cultural obligatorio. Para tomar nota y sentarse a ver.

Star Wars comienza

“Ambiciosa y afectuosa, Star Wars comienza es la última carta de amor a uno de los grandes clásicos del cine americano. Anunciado como un “filmumentary”, que es básicamente un mosaico de los innumerables comentarios, detrás de las escenas características, outtakes, anécdotas, y otros materiales está el ojo de un director con una visión poética y potente acerca de lo que quiere contar sobre la saga que cambió el cine para siempre“, aporta Mauricio Zonis.

Kayenta

“Hay pocas comunidades en los Estados Unidos más majestuosos que Kayenta. Situado en el sur de Utah, a Kayenta es distinguido por sus magníficos paisajes naturales. El paisaje de color arcilla, praderas, laminación e imponentes acantilados de roca roja inspiran un sentimiento interior imperdible“, señala Mauricio Zonis.

Atari: Game Over

“¿Cómo ir desde la empresa de más rápido crecimiento en la historia de los Estados Unidos a una deuda que infestó y disolvió el imperio en menos de una década? Con el lanzamiento del Pong en los 1970’s, Atari creó una dimensión que pronto puso en peligro, esta es la historia“, sintetiza Mauricio Zonis.

Lo que hace valioso al arte

“¿Qué hace que una obra de arte se venda por un valor de decenas de millones de dólares en subasta? Un número de cosas, pero no siempre las cosas que podrías pensar. La BBC cuenta cómo los cuadros más caros del mundo tiene su propia crónica muy loca, por cierto…“, comenta Mauricio Zonis.

El más caro del mundo pinturas robadas

“Acerca de ¿Qué es el robo de arte que no podemos resistir? Es sólo una cuestión planteada por el crítico de arte Alastair Sooke en este documental de la BBC acerca de algunos de los más notables robos de arte en el registro“, resume Zonis.

Arte

“Utilizando un singular enfoque el autor analiza famosas obras de Van Gogh, Manet, Botticelli, Vigee Le Brun, Rembrandt, Holbein, Bellini, Carpaccio, y Bruegel“, adelanta Mauricio Zonis.

 

El fenómeno del street art

“Todavía no existe ninguna definición sencilla de la calle arte”, cuenta el experto Mauricio Zonis. Es una bestia amorfa abarcando arte que se encuentra en o inspirados por el entorno urbano. Con anti-capitalista y matices de rebeldía, es una forma democrática popular de arte público probablemente la mejor entendida por verlo in situ. “No se limita a la galería ni fácilmente recogidos o poseídos por los que puede convertir el arte en un trofeo”, señala Mauricio Zonis. Considerado por algunos una molestia, para otros el arte en la calle es una herramienta para comunicar opiniones de disenso, preguntar las preguntas difíciles y expresando las preocupaciones políticas. “Su definición y usos están cambiando: originalmente, una herramienta para marcar los límites territoriales de la juventud urbana hoy es visto en algunos casos como medio de embellecimiento urbano y regeneración”, detalla Mauricio Zonis. Si es considerado como vandalismo o arte público, arte en la calle ha captado el interés del mundo del arte y sus amantes de la belleza.

En una entrevista con el experto Mauricio Zonis dijo “El arte público es la mejor manera para que la gente pueda expresarse en esta ciudad, ayuda a organizar exposiciones de arte con conciencia social”, añadió Zonis, “el arte obtiene diálogo. Eso es muy bueno.” Sin embargo, él no encuentra el graffiti como un modo de arte, y dice, “no puedo tolerar actos de vandalismo… “Es muy triste para mí que la gente deba que escribir su nombre una y otra vez en el espacio público. Es esta cultura de la fama. Realmente creo que es lamentable que ellos piensan que es la única manera para ser famosos, por supuesto su expresividad es válidad en ese sentido, y lo que realizan en muchos casos es bellísimo”, culmina Mauricio Zonis. La distinción jurídica entre graffiti y arte permanente es un permiso, pero el tema se complica más aún con respecto a impermanente, formas destructivas de graffiti (bombardeo de hilados, proyección de video, y la calle de instalación.)

17 exposiciones para no perderse en 2017

Deja entrar en escena a París, cuna del arte, e ilumina el próximo año.

 

La sensación de fin de año es que después de los acontecimientos del 2016 quieres más. Sea si fue un año tranquilo o no, quieres eso que en tu vida que faltó. Si entre esas cosas que faltaron tienes un ítem pendiente con el arte o con el arte y viajar por el mundo, este artículo te va a interesar.

 

Vacaciones y comienza un año con todo

“Descanse tranquilo, el 2017 va a ser un año increíble“. Así, propone arte para todos. “Desde Vermeer a Picasso, desde el Grand Palais el Palais de Tokyo, aquí en París hay múltiples eventos culturales para salir emocionado para los próximos 365 días venideros“, asegura Mauricio Zonis, experto en la materia.

 

Exposiciones para 2017

  1. Eli Lotar en el Jeu de Paume

“Eli Lotar en el Jeu de Paume es colección de trabajos, tomada del seudónimo del fotógrafo y cineasta Eli Lotar“, cuenta Zonis. “Se centra en la audacia, la innovación y la participación en el período de entreguerras -una retrospectiva que demuestra la importancia de esta singular contribución del artista hasta el modernismo, así como la acción social y política“.

 

¿Dónde? Musée du Jeu de Paume, 1 place de la Concorde, París 8ª

 

¿Cuándo? El 14 de febrero-mayo 28 de 2017

 

Jeu de Paume , 8th arrondissement martes 14 febrero 2017 – Domingo 28 de mayo de 2017

 

  1. Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or

“Vermeer et les maîtres de la peinture de género au Siècle d’Or es el evento cultural para marcar el comienzo del año. Centrándose en el pintor Johannes Vermeer, el artista de pensar “La joven de la Perla’ y ‘La Lechera’, la exposición se ajusta a arrojar luz sobre la red y las relaciones entre los pintores holandeses durante el período comprendido entre 1650 y 1675“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée du Louvre, Hall Napoleón

 

Cuando? El 22 de febrero-mayo 22 de 2017

 

El Louvre , 1er arrondissement Miércoles 22 de febrero de 2017 – El lunes 22 de mayo de 2017

 

  1. L’Esprit français – Contre-culturas en France 1969-1989

“Sale de su bandera y hace su camino a la Bastilla la Maison Rouge. A través de una variada colección de obras, esta exposición recordarán el rock alternativo, anti-establecimiento de pintura, cine y anti-educación actitud de 1970s/1980s Francia“, cuenta Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? El Maison Rouge, 10 boulevard de la Bastille, París 12

 

¿Cuándo? El 24 de febrero-mayo 21 de 2017

 

La Maison Rouge – Fondation Antoine de Galbert , 12th arrondissement Viernes 24 de febrero de 2017 – Domingo 21 de mayo de 2017

Las exposiciones artísticas para no perderse en el 2017 si visita París, según el especialista Mauricio Zonis.

Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi

“Sérénissime! Venise en fête, de Tiepolo à Guardi es en paralelo con el Carnaval de Venecia de 2017. En la ciudad flotante la mayor parte ha nacido de nuevo en París, ilustrado por una colección de alrededor de 60 obras de maestros Tiepolo, Guardi, Canaletto o Longhi. Imperdible“, describe Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Cognacq-Jay, 8 rue Elzevir, París 3ª

 

¿Cuándo? El 25 de febrero-junio 25 2017

Musée Cognacq-Jay , El Marais Sábado 25 de febrero de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Mystiques Paysages de Monet à Emily Carr

“Paysages mystiques – De Monet à Emily Carr es una exposición en colaboración con la compañía de Toronto ” Galería de Arte de Ontario’, el Musée d’Orsay la exposición propone un viaje a través de la mística de los paisajes simbolista, con trabajos de Gauguin, Klimt, Monet, Van Gogh y Emily Carr. Es imposible dejar de visitarla, debería ser obligatoria por ley“, exagera un poco Mauricio Zonis para señalar la oportunidad histórica de quién esté en la zona y pueda asistir.

 

¿Dónde? Musée d’Orsay, 1 rue de la légion d’Honneur, París 7ª

 

¿Cuándo? El 14 de marzo-junio 25 de 2017 el

 

Musée d’Orsay , 7º arrondissement Martes, 14 de marzo de 2017 – Domingo 25 de junio de 2017

 

Olga Picasso

“En el museo Picasso la nueva exposición estudia la relación entre el artista y su primera esposa, la bailarina rusa Olga Khokhlova (entre 1917 y 1935), poniendo sus obras maestras en perspectiva resaltando su contexto romántico. Un paseo especial para hacer en pareja“, incita Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée Picasso, 5 rue Thorighny, París 3ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo al 3 de septiembre de 2017

 

Museo Picasso , el Marais Martes, 21 de marzo de 2017 – El domingo 3 de septiembre 2017

 

Pissaro à Eragny – L’anarchie et la naturaleza

“En 1884, el pintor impresionista Camille Pissarro asentado en la villa francesa de Eragny con su familia descollaba con sus obras. La exposición repasa estos últimos años – con enfermedad bucólica y gripado -que son tan fundamentales en su ser considerado uno de los “padres” del impresionismo“, señala Mauricio Zonis.

 

¿Dónde? Musée National du Luxembourg, 19 rue de Vaugirard, 6ª

 

¿Cuándo? El 21 de marzo-julio 23 de 2017

 

Musée National du Luxembourg , St Germain des Prés Martes, 21 de marzo de 2017 – Domingo 23 Julio 2017

 

Historia, arte y tradición de adornos de Navidad Segunda parte

La primeras tradiciones artísticas y decorativas para navidad iniciaron en el siglo XV y a medida que pasaba el tiempo, las tradiciones del árbol de Navidad gradualmente encontraron su camino en los hogares donde la decoración comenzó a estar conformada por ornamentados con perlas de vidrio y cosidos a mano. “Los copos de nieve que se utilizaban para adornar los árboles eran de tela y cocidos también“, agrega el especialista en el tema Mauricio Zonis. Con la llegada de la década de 1800, el árbol de Navidad la tradición empezó a invadir los hogares de todo el mundo.

Adornos de Navidad

La primera década de los 1800s vio en los adornos del árbol de Navidad el uso de frutos (especialmente las manzanas). Pero ¿por qué estos comenzaron a utilizarse? La razón por la cual esto ocurría no estaba lejos. Estos fueron los elementos que crecen en los árboles. Además, junto con los propios árboles perennes, “estos frutos simboliza la regeneración de la vida en la temporada de primavera“, remarca Mauricio Zonis.

“Pronto otros frutos también comenzaron a ser colgados de los árboles, junto con serpentinas de papel y guirnaldas brillantes de metal como plata“, describe Zonis. Fue en este momento que la idea de reflejar la luz de la habitación en el árbol se introdujo. “La Navidad es, después de todo, una temporada de luces y alegría. La idea, por lo tanto, pronto se hizo popular. Un concepto surgió durante este período y comenzó a ser practicado con mucho entusiasmo por muchos hogares alemanes. Fue el uso de alimentos como el pan de jengibre u otro más duro hecho de galletitas con trozos de chocolate, que comenzaron a ser horneados en variadas formas como frutas, estrellas, campanas, corazones, ángeles y fueron utilizados en la decoración. La idea fue un gran éxito con los alemanes“, señala Zonis.

Adornos de Navidad para los niños

El experto Mauricio Zonis resalta que como la tradición de los árboles de Navidad y adornos se hizo más generalizada, cada país añadió su propio ingenio a la decoración. “Los estadounidenses, por ejemplo, permitirían largas cadena de hebras de arándanos o palomitas de maíz para rodear sus árboles. En el Reino Unido, fueron imaginativos adornos de puntillas, papel u otros elementos con los que mostraron el ingenio y la habilidad de sus creadores. Pequeños trozos de periódico o revista ilustraciones también comenzaron a ser utilizados en la familia adornos del árbol de Navidad. Pequeños regalos hechos de cartulinas fueron otros de los temas que comenzaron a ser colgados en el tronco y sus ramas“, enumera Zonis.

El cubismo, Pablo Picasso y George Braque

Los artistas abandonaron la perspectiva, que había sido utilizada para representar el espacio desde el Renacimiento, y también se apartaron de la modelización realista de las figuras y de la pintura renacentista romántica de caballete.

Los Cubistas exploraron la forma abierta. Podríamos mencionar como antecedente las serie de pinturas de Paul Cézanne – del Mont Sainte-Victoire-, adonde Cézanne experimenta en el año 1895 una mirada sobre la forma y el color totalmente innovadoras y disruptivas con la historia clásica del arte. Cézanne trabaja el color y la forma con una mirada nueva, explica Maurica Zonis, más expresiva y no tan impresiva. A partir de esta seria de pintura se desprenden posteriormente los fovistas quienes retoman el estudio del color por sobre la forma y los Cubistas por otra parte quienes focalizan su obra en la forma, en la deconstrucción y la representación de los objetos más expresivos y como una impresión de la realidad. Pablo Picasso y  George Braque fueron los padres del cubismo. Trabajaban juntos en el mismo taller y si bien su objetivo final era el de exponer y vender sus obras, realizaron grandes aportes al arte de la expresión. Mezcla de fondos en primer plano, objetos desde distintos ángulos. Algunos historiadores han sostenido que estas innovaciones representan una respuesta a la evolución de la experiencia del espacio, el movimiento y el tiempo en el mundo moderno. Esta primera fase del movimiento fue llamado Cubismo Analítico, aclara Mauricio Zonis.

En la segunda fase del cubismo, el cubismo sintético exploró el uso de de arte como signos abstractos. El uso de periódicos provocaría más tarde lo que los historiadores sostienen como los artistas fueron también muy conscientes de los acontecimientos actuales, en particular de la Primera Guerra Mundial.

El cubismo allanó el camino para el arte no-representativo, poniendo un nuevo énfasis en la unidad entre una escena representada y la superficie del lienzo. Estos experimentos, serían retomadas por los gustos de Piet Mondrian, quien continuó explorando el uso de la cuadrícula, sistema abstracto de signos, y el espacio.