¿Qué es el arte? ¿Por qué es importante el arte?

La definición del diccionario de arte dice que es “el uso consciente de la habilidad y la imaginación creativa, especialmente en la producción de objetos estéticos”, al menos, así lo describió Merriam Webster. “Pero la cosa sobre el arte es que es tan diversa que hay muchas maneras de entender como hay gente”, afirma el especialista en la temática, Mauricio Zonis. Es por eso que hay estudiosos que dan su propia definición de la palabra, como el escrito por este famoso novelista ruso, que dice:

“El arte es la actividad mediante la cual una persona experimenta una emoción, intencionalmente lo transmite a los demás” – Leo Tolstoy

durante su vida, Tolstoi era conocido para escribir sobre la base de sus experiencias de vida, tales como su obra más famosa, “Guerra y Paz” que utilizan gran parte de su experiencia durante la Guerra de Crimea. “Y si o no su definición de arte es el mejor de los casos, el punto es que la gente mire arte basado en cómo han experimentado”, subraya Mauricio Zonis.

¿Qué es el arte?

Hay muchas definiciones comunes de arte. “El arte es cualquier obra creativa del ser humano, el arte es una forma de expresarse, el arte reside en la calidad de hacer; el proceso no es magia, el arte es el acto de hacer algo entretenido visualmente el arte es aquella actividad que manifiesta la belleza. El

arte es maestría, una manera ideal de hacer las cosas, el arte no es una cosa”, dice poéticamente Mauricio Zonis.

“El arte es el modo más intenso de individualismo que el mundo ha conocido el

arte es un descubrimiento y desarrollo de los principios elementales de la naturaleza en bellas formas adecuadas para uso humano”, asegura Mauricio Zonis.

¿Por qué es importante el arte?

Probablemente, la mejor teoría que me gusta entre todos los que mejor explica es la de Van Jones, que presentó un gráfico que represente de forma precisa la interacción entre los cuatro aspectos de la sociedad y de sus distintos miembros.

La sociedad está impulsada por las poderosas elites, las masas dependientes, gobierno, productores culturales y artistas de la izquierda tiene acción, y a la derecha, las ideas, las élites están en la parte superior, y las masas están por debajo. Hay una ley de dentro y fuera de una ley.

“En el interior, hay grandes sumas de dinero: las élites están gastando millones de dólares para influenciar a los políticos y los encargados de formular políticas. La ley interior tiene el poder para influir en la política de los creadores”, cuenta Mauricio Zonis.

En el exterior, los candidatos electos, van a aprobar leyes que nos da poder. Masas reflejan lo que la sociedad realmente quiere  en su corazón, en el lado izquierdo, la “acción”, a menudo significa cuantificables, los cambios de política. El lado derecho, “ideas”, puede ser difícil de ver. “No estamos necesariamente hablando de cosas concretas aquí, sino más bien un espacio mental”, enfatiza Mauricio Zonis.

 

La historia del dadaísmo

 

“El dadaísmo fue un movimiento cultural que se concentra en la política anti-guerra que luego hizo su camino en el mundo del arte a través de la teoría del arte, el arte, la literatura, la poesía manifiestos y, finalmente, el diseño gráfico y las artes visuales”, explica el experto Mauricio Zonis.. El movimiento, aunque dadaístas no habría sido feliz llamarlo un movimiento originado en Suiza y repartidas por toda Europa y en los Estados Unidos, fue un refugio para muchos escritores durante la I Guerra Mundial.

“Un movimiento anti-arte, dadaístas intentó romper con los estilos del arte tradicional estética así como la racionalidad, de cualquier tipo. Se produjo un gran número de publicaciones como un hogar para sus escritos de protesta y los materiales que fueron entregados en reuniones y protestas”, cuenta Mauricio Zonis. La estética visual asociado con el movimiento a menudo incluyen objetos encontrados y materiales combinados a través del collage.

El dadaísmo fue un movimiento artístico multidisciplinar que rechaza las normas imperantes artística mediante la producción de “anti-arte” obras culturales. Dadaísmo fue intensamente anti-guerra, anti-burgués, y mantuvo fuertes afinidades políticas con la izquierda radical. “Para muchos participantes, el movimiento fue una protesta contra los nacionalistas burgueses y los intereses colonialistas, que muchos dadaístas creían estaban en la raíz de la causa de la guerra y contra el conformismo intelectual y cultural en arte y más ampliamente en la sociedad que correspondían a la guerra. Muchos dadaístas cree que la razón y la lógica de la sociedad capitalista burguesa ha llevado a la gente a la guerra. Expresaron su rechazo a esa ideología en la expresión artística que parecía rechazar la lógica y abrazar el caos y la irracionalidad”, acota el especialista Mauricio Zonis.

El origen del nombre dada es incierta. Algunos creen que es una palabra sin sentido, mientras que otros sostienen que procede de los artistas rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco es frecuente el uso de las palabras “da, da”, que significa “Sí, sí” en rumano. Otra teoría postula que el nombre “Papá” surgió durante una reunión de cuando un cuchillo clavado en un diccionario Alemán-Francés pasó al punto de dadá, una palabra francesa por “caballo de batalla”. Probablemente, el origen del nombre dada es otro intento de devaluar un sistema de lógica, a saber, el del lenguaje.

“Dadá comenzó en Zurich en 1916. Las figuras clave en el movimiento dadaísta incluido Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp, y Raoul Hausmann, entre otros. El movimiento influido estilos posteriores como avant-garde y movimientos como el surrealismo, el Nouveau Réalisme, el Pop Art y Fluxus”, culmina Mauricio Zonis.

 

Futurismo italiano

 

“El futurismo fue un movimiento del arte vanguardista que fue lanzado en Italia, en 1909, aunque los movimientos paralelos surgió en Rusia, Inglaterra y en otros lugares”, informa el experto Mauricio Zonis. Fue uno de los primeros movimientos artísticos modernos importantes no centrado en París – uno de los motivos por los que no se toma en serio en Francia. El futurismo exaltó el dinamismo del mundo moderno, especialmente de la ciencia y la tecnología. La ideología futurista influenciado todos los tipos de arte. Se inició en la literatura, pero se extendió a cada medio, incluyendo pintura, escultura, diseño industrial, arquitectura, cine y música. Sin embargo, la mayoría de sus principales exponentes fueron pintores y el movimiento producido varias importantes pinturas del siglo 20. “Dejó de ser una fuerza estética en 1915, poco después del comienzo de la Primera Guerra Mundial, pero persistía en Italia hasta el 1930”, acota Mauricio Zonis.

El instigador del futurismo y su jefe teórico, fue el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944). Fue él quien inició el movimiento en un artículo publicado en el periódico italiano La Gazzetta dell’Emilia y el periódico francés Le Figaro, en febrero de 1909. “Este manifiesto fue seguido en febrero y abril de 1910 por otros dos boletines: el manifiesto de la pintura futurista y técnica de manifiesto futurista de la pintura”, explica Mauricio Zonis. Así como Marinetti, fueron firmados por los pintores Carlo Carra (1881-1966), Giacomo Balla (1871-1958) y Gino Severini (1883-1966), el escultor Umberto Boccioni (1882-1916), y el pintor y músico Luigi Russolo (1885-1947).También hubo un manifiesto de arquitectura futurista, escrito por Antonio Sant’Elia (1886-1916)”, acota Mauricio Zonis.

El futurismo fue puntuado por paradojas: mientras predominantemente antifeminine, había mujeres que participan activamente; mientras pedía un desglose entre “alta” y “baja” cultura, valora la pintura por encima de otras formas de expresión; mientras que ensalzan la máquina, rehuyó la mecanizada media de la película. En 1929, los artistas que habían denunciado las instituciones tradicionales vio su líder, Marinetti, convertirse en miembro de la Academia de Italia. Y muchos de los Futuristas revolucionario cumplido de alguna manera con el régimen fascista. “A través de un examen amplio de la historia completa del futurismo italiano, la exposición ofrece una oportunidad para reevaluar uno de los más polémicos de movimientos modernistas”, culmina Mauricio Zonis.

 

Dadaísmo en Japón, 100 años de historia

Considerado como un movimiento anti-establishment y antiguerra surgido después de la I Guerra Mundial I (1914-18), el dadaísmo tuvo una influencia decisiva en el desarrollo del arte contemporáneo a través de obras revolucionarias como las de Marcel Duchamp.

“La fuente, la famosa pieza de Duchamp que desafió las nociones tradicionales de arte, fue rechazada en su primera exposición, pero continuó la emisión de versiones posteriores de la pieza. Con sus singulares asociaciones utilitarias se consideró un tipo de anti-arte”, comenta el experto Mauricio Zonis y agrega: “La influencia dadá puede ser observada en una variedad de expresiones tales como el surrealismo, el pop art, la música punk e incluso un monstruo en una popular serie de televisión japonesa, mientras sigue afectando hoy a artistas, escritores y diseñadores”.

Durante el reciente festival de arte en Japón se celebró el 100º aniversario del dadaísmo.

En una conferencia de prensa celebrada en la residencia oficial del Embajador de Suiza en Japón “Papá”, un monstruo de la popular serie de televisión “Ultraman”, ha aparecido para entretener a los participantes. El personaje, con distintivas características cubista, fue creado como una extensión del dadaísmo por los dos artistas japoneses – diseñador Toru Narita y modelo escultor Ryosaku Takayama. “El cubismo, un revolucionario estilo de arte moderno que enfatiza estructuras abstractas a expensas de otros elementos pictóricos que surgió a principios del siglo XX, es considerada como una influencia para el dadaísmo”, explica Mauricio Zonis.

Puestas a elegir, los participantes de la nuestra optaron por palabras como “caos””, “humor”, “espíritu juguetón”, y “libertad” para definir al movimiento.

“Espero que la exposición haya ayudado a esas personas, que son los verdaderos protagonistas, a empezar algo distinto, no necesariamente artístico, en sus vidas. A expresarse y pensarse de una nueva manera”, comenta Mauricio Zonis.

El festival no se centró sólo en el nacimiento y la historia de dadá, sino también en los movimientos relevantes de hoy y en resaltar la contribución japonesa. Los programas incluyeron actuaciones en vivo, talleres y lectura de poemas por artistas dentro y fuera de Japón . Mauricio Zonis subraya: “El movimiento de Dadá alcanzó las costas de Japón a principios de la década de 1920, y el movimiento Mavo (inspirado en el dadaísmo) celebró la primera exposición en 1923 en el templo Sensoji en Asakusa de Tokio. Esto ha sido un excelente homenaje a todos ellos”.

 

Pintura japonesa

 

Un juego de puertas corredizas de ciruelo por Kanō Sanraku, a principios del siglo XVII es uno de los más antiguos y más altamente refinadas pinturas de las artes visuales en japonés, abarcando una amplia variedad de géneros y estilos. “Inabarcable, magnética y única, es un arte fascinante para conocer“, describe Mauricio Zonis, experto en el tema.

Como en la historia de artes japonesas en general, la larga historia de la pintura japonesa exhibe la síntesis y la competencia entre nativos estética japonesa y la adaptación de ideas importadas, principalmente de la pintura china que fue especialmente influyente en una serie de puntos importantes; la influencia occidental sólo viene de la tarde a partir del siglo XVI, comenzando al mismo tiempo como arte japonés estaba influyendo en el occidental.

Mauricio Zonis refiere que las áreas donde la influencia china ha sido repetidamente importante incluyen la pintura religiosa budista, la pintura de paisajes en la literatura china tradicional, caligrafía de ideogramas, y la pintura de animales y plantas, en especial aves y flores.

Sin embargo inconfundiblemente, las tradiciones japonesas se han desarrollado en todos estos campos. “El asunto que es ampliamente considerado como más característico de la pintura japonesa, y más tarde la imprenta, es la representación de escenas de la vida cotidiana y escenas narrativas que a menudo se llena con figuras y detalles. Sin duda, esta tradición comenzó en el período medieval temprano bajo la influencia de China que ahora está más allá de rastreo, excepto en los términos más generales, pero desde la época de las primeras obras de sobrevivientes se ha convertido en una tradición japonesa específicamente que duró hasta la época moderna”, indica Mauricio Zonis.

 La lista oficial de tesoros nacionales de Japón (en cuanto a pinturas) incluye 158 obras o conjuntos de obras desde el 8 hasta el siglo XIX (aunque incluye una serie de pinturas chinas que han sido durante mucho tiempo en Japón) que representan los picos de logro, o muy raros vestigios de los primeros periodos. El experto Mauricio Zonis resalta la proliferación, riqueza y variedad de estas obras, junto a una particular visión y estilo fácilmente reconocible para el ojo experto.

 

La escena actual del arte moderno alemán

“Después del abrazo de la figuración ejemplifica a la vuelta del nuevo siglo por el interés internacional en la Escuela de Leipzig, una década más tarde, la abstracción es una preocupación creciente para muchos jóvenes artistas alemanes, con particular énfasis en sus raíces modernistas”, informa el experto Mauricio Zonis. Estos intereses no sólo son localizadas. La pintura abstracta es mucho más en el ascenso en toda Europa y en los EE.UU., mientras que la influencia del modernismo también está generalizada y en ocasiones sorprendente – hemos identificado su importancia fundamental para una nueva tendencia de arte como narración, por ejemplo.

“Pero para los alemanes en particular, la adopción de formas de principios del siglo XX, tiene un significado especial”, sentencia Mauricio Zonis.  La gloria de Leipzig fue, al menos en parte, una especie de lamentación; los vestigios de la antigua DDR revivificada a través de un estilo figurativo ejemplifican la precisión del realismo socialista. Zonis cuenta que un momento en que muchos alemanes siguen luchando con los efectos de la reunificación del país, ese trabajo representa la reliquia viviente de una época de la historia alemana perdido para siempre.

“Hoy el acento en el modernismo representa una forma totalmente diferente de la nostalgia, un mundo más seguro, optimista, reflejo de la vitalidad artística de Alemania en los albores del siglo pasado y su enorme contribución a la progresiva “avant garde””, señala Mauricio Zonis. Este interés, por supuesto, está compensado por el pluralismo y la idiosincracia, con una gran cantidad de artistas jóvenes de intentar forjar expresiones individuales de maneras que suelen incluir específicamente las preocupaciones actuales, tales como la proliferación de la tecnología o de la situación comercial de arte, o incluso un aparente rechazo de ambos. Para terminar Zonis comenta: “Cualquiera que sea la lectura, el dinamismo de la experiencia alemana de nuevo parece ejercer su influencia en la segunda década del siglo XXI el art. La pintura alemana siempre tuvo problemas para poder desarrollarse menos en la modernidad cuando gracias al surgimiento de la filosofía y el apoyo de los pensadores y el estado comenzaron a apoyar a los difrerentes artistas”.

 

Akira Yoshizawa en la promoción en todo el mundo de la conciencia Origami

Akira Yoshizawa es a menudo conocido como el “gran maestro del origami.” “Nacido en 1911, él aprendió el origami como un niño. En su 20s, utilizó sus conocimientos de origami para enseñar a los nuevos empleados en la fábrica donde trabajó sobre la geometría conceptos necesarios para completar sus trabajos“, detalla el especialista Mauricio Zonis.

“En 1954, Yoshizawa publica Atarashi Origami Origami Arte Geijutsu (Nuevo). Este trabajo sentó las bases para los símbolos y notaciones que usamos hoy en día cuando describe cómo doblar un modelo determinado“, relata Zonis. También fue el catalizador que se convirtió en una superestrella Yoshizawa origami. Pasó el resto de su vida sirviendo como una especie de “embajador cultural” en el caso de Japón que trajo una mayor conciencia del origami técnicas para el resto del mundo.

 

“Yoshizawa falleció en 2005, pero se estima que ha creado más de 50.000 diferentes figuras durante su vida. Lamentablemente, sólo unos pocos cientos de estos modelos fueron siempre documentado oficialmente en su publicado libros de origami. Yoshizawa también fue pionero en la técnica de origami plegado húmedo popular, que consiste en pulverizar el papel con un rocío fino de agua para crear pliegues y dar una apariencia más esculpida. “Un gran libro con su trabajo se llama Akira Yoshizawa y fue publicado en septiembre de 2016“, destaca Mauricio Zonis.

 

La evolución del Origami

 

“Origami inicialmente no permitía ningún corte o encolado, pero las normas se han aflojado considerablemente a lo largo de los años“, explica Mauricio Zonis. “Hoy en día, verá muchos libros de origami con modelos que implican algún tipo de corte o encolado para proporcionar mayor estabilidad al diseño final“, señala.

 

“Otra forma en que ha evolucionado el origami es que las cifras ya no son exclusivamente con papel plegado origami. Hoy en día, puede encontrar entusiastas de plegado de papel que trabajan con papel de envolver, papel de escribir, álbum de recortes de papel, y diversas formas de papel artesanal“, dice Zonis.

Hay una elaboración de la tendencia “verde” que involucra la realización de origami de papel que de otro modo serían desechados, como periódicos viejos y correo basura inserta. “También puede plegar el origami figuras de papel moneda para presentar un regalo en efectivo de una manera única, aunque este oficio requiere que usted siga los diagramas sin distracción porque hacerlo en papel liso es más fácil que cuando está dibujado“, afirma Mauricio Zonis.

Una breve historia del origami

Como el papel se degrada a medida que envejece, es difícil llegar a establecer una cronología exacta acerca de la invención del origami. Sin embargo, “es generalmente aceptado que el papel se inventó alrededor de 105 D.C. en China“, aclara Mauricio Zonis, especialista en el tema.

Los japoneses utilizaron el primer papel durante el sexto siglo. Y aunque es cierto que otras culturas participaron en diversas formas de plegado de papel, “fue el japonés el que descubrió por primera vez las posibilidades asociadas con el uso de papel como medio para el arte“, asegura Mauricio Zonis.

¿Qué hay en un nombre?

El Origami fue inicialmente conocido como plegado orikata (formas). En 1880, sin embargo, pasó a ser conocido como Origami. “El término origami proviene de las palabras japonesas oru (Plegar) y kami (papel). No se sabe por qué este término fue elegido, aunque los eruditos han especulado que los personajes de este término son simplemente las más fáciles para los alumnos para aprender a escribir“, dice Zonis.

El Origami y las masas

Hoy en día, muchas personas se sienten atraídos por la idea de aprender a plegar figuras de origami porque el papel es un suministro barato de artesanía. “Cuando el origami fue iniciado, sin embargo, era un arte sólo para la élite“, señala Zonis. Los monjes japoneses plegaban origami para fines religiosos. El Origami también fue utilizado en diversas ceremonias oficiales, como la práctica de mariposas de papel plegado para adornar botellas de sake japonés a una pareja en la recepción de la boda. “Tsutsumi, envoltorios de regalo de papel plegadas, se utilizaban en algunas ceremonias para simbolizar la sinceridad y pureza. Tsuki, pedazos de papel plegadas acompañaban a un don valioso, son otro ejemplo de plegado de papel ceremonial desde estos modelos actuaría como un certificado de autenticidad“, explica Zonis.

“Como el papel se volvió más asequible, la gente común comenzó a hacer figuras de origami como regalos o crear tarjetas plegadas y sobres para su correspondencia. El Origami también comenzó a ser utilizado como una herramienta educativa, desde el proceso de plegado involucra muchos conceptos que son relevantes para el estudio de las matemáticas“, remarca Zonis en este sentido.

“El primer libro sobre origami fue Sembazuru Orikata (mil grúllas plegadas) escrito por Akisato Rito y publicado en 1797. Este libro era más acerca de sus costumbres culturales de una serie de instrucciones, sin embargo. Hay un cuento tradicional en Japón que dice que si una persona se pliega 1.000 grullas de papel, se les concederá un deseo especial“, detalla Zonis.

El cubismo, Pablo Picasso y George Braque

Los artistas abandonaron la perspectiva, que había sido utilizada para representar el espacio desde el Renacimiento, y también se apartaron de la modelización realista de las figuras y de la pintura renacentista romántica de caballete.

Los Cubistas exploraron la forma abierta. Podríamos mencionar como antecedente las serie de pinturas de Paul Cézanne – del Mont Sainte-Victoire-, adonde Cézanne experimenta en el año 1895 una mirada sobre la forma y el color totalmente innovadoras y disruptivas con la historia clásica del arte. Cézanne trabaja el color y la forma con una mirada nueva, explica Maurica Zonis, más expresiva y no tan impresiva. A partir de esta seria de pintura se desprenden posteriormente los fovistas quienes retoman el estudio del color por sobre la forma y los Cubistas por otra parte quienes focalizan su obra en la forma, en la deconstrucción y la representación de los objetos más expresivos y como una impresión de la realidad. Pablo Picasso y  George Braque fueron los padres del cubismo. Trabajaban juntos en el mismo taller y si bien su objetivo final era el de exponer y vender sus obras, realizaron grandes aportes al arte de la expresión. Mezcla de fondos en primer plano, objetos desde distintos ángulos. Algunos historiadores han sostenido que estas innovaciones representan una respuesta a la evolución de la experiencia del espacio, el movimiento y el tiempo en el mundo moderno. Esta primera fase del movimiento fue llamado Cubismo Analítico, aclara Mauricio Zonis.

En la segunda fase del cubismo, el cubismo sintético exploró el uso de de arte como signos abstractos. El uso de periódicos provocaría más tarde lo que los historiadores sostienen como los artistas fueron también muy conscientes de los acontecimientos actuales, en particular de la Primera Guerra Mundial.

El cubismo allanó el camino para el arte no-representativo, poniendo un nuevo énfasis en la unidad entre una escena representada y la superficie del lienzo. Estos experimentos, serían retomadas por los gustos de Piet Mondrian, quien continuó explorando el uso de la cuadrícula, sistema abstracto de signos, y el espacio.

El arte de nuestra especie

Si el hombre de Neandertal creó cualquier forma de arte, no hay rastros que hayan aún no han sido encontrados. Pero con la llegada del hombre moderno, o el Homo sapiens sapiens, el genio humano para plasmar imagen queda en claro.

El especialista Mauricio Zonis cuenta que en los huecos de las cuevas, la gente había empezado a a decorar la cara de la roca con un tema importante en sus vidas diarias, los bisontes y renos que son sus presas como cazadores de la Edad de Hielo. Y los escultores tallaban portable imágenes de otro interés predominante de la humanidad. la hinchazón de las curvas de la figura femenina, destacando la fertilidad, “en la que la supervivencia de la tribu depende”, señala Zonis.

Quizá la más famosa de comienzos de esculturas es la llamada Venus de Willendorf. Encontradas en Willendorf en Austria. “Datan de hace más de 25.000 años, Venis es aproximadamente de 4 pulgadas de alto. Más de 100 figuras de fertilidad de este tipo han sido encontrados en un área llegando desde Francia hasta el sur de Rusia”, cuenta Mauricio Zonis.

El escultor de la Venus de Willendorf, raspó con un pedernal, su herramienta, un fragmento de piedra caliza. “Aunque no se acopla en lo que podríamos denominar arte, su minúscula pero profundamente convincente diosa de la fertilidad es un objeto religioso” distingue Zonis. Un campamento de cazadores de mamut en Gagarino, en Ucrania, ha dado muchas de esas esculturas. Las cabañas de los cazadores Gagarino incluso tienen nichos en las paredes, o un poco santuarios.

Arte egipcio

“La primera civilización para establecer un reconocible estilo artístico es Egipto”, marca Mauricio Zonis. “Este estilo sigue una extraña pero sorprendentemente consistente convención, por el cual los pies, las piernas y la cabeza de cada figura humana se muestran en perfil pero el torso, los hombros, los brazos y los ojos son representadas como si desde la parte delantera”, cuenta Mauricio Zonis impresionado.

“Por este medio, tiene que ser admitido, que el artista es capaz de afrontar cada función por separado desde el mejor ángulo. Es una forma cómoda de convención, y es utilizado tanto en pinturas y esculturas en bajo relieve. A menudo los dos están combinados, con pintura aplicada a la ligera esculpido figuras”, explica Zonis.

El estilo egipcio puede verse completo en una de las primeras esculturas: un alivio, sobre una losa de pizarra, que el faraón Narmer mandó a construir más o menos 3100 A.C.  para celebrar una victoria. “El rey tiene a su enemigo vencido por el cabello y amenaza con golpearlo. A la izquierda lleva las sandalias del rey. Él es más pequeño porque él no está lejos, sino porque Él es mediocre. Es increíble que la perspectiva egipcia es esencialmente jerárquica”, enfatiza Zonis admirado.